Cromätica

COLLECTIVE SOUL (5.10) 12/12/11

2012-01-11T09:31:00.000-08:00

COLLECTIVE SOUL

Collective Soul es una banda de rock alternativo proveniente de Georgia, Estados Unidos, y una delas bandas denominadas post-grungemás importantes surgidas en los años ‘90, tras la muerte de Kurt Cobain(Nirvana) junto con otras como Bush, Live, Foo Fighters, cWeezer, o Soundgarden.

Su estilo está enmarcado dentrodel rock alternativo, y también experimentan sonidos grunge y Had-Rock mezclados con pop y folk, que mezclados con toques más técnicos nunca vistos en el grunge le dan elsello propio a la banda. Su música se caracteriza por los riffs pesados y suspegadizas melodías. Las principales influencias de la banda incluyen a ElvisPresley, Elton John, The Cars y The Beatles como también muchas bandas “newwave” de los años ‘80.

Realmente es difícil encontrar aalguien que no conozca el riff de "Shine" (5:07) (1) de"Collective Soul". Yo lo conoci un dia alla por los noventa cuando mihermano me dijo: “Ey Anto..tienes que oir esto”Algunos puede que no sepan elnombre del grupo, otros ni siquiera el título del tema pero todos hemosescuchado esa guitarra con esa ligera distorsión en alguna ocasión. Es el claroejemplo de una canción que se sostiene con un riff pero sin hacerla pesada niaburrida; además el acelerón en el solo para después darle un frenazo en seco yvuelta al ritmo pausado resulta increíblemente efectivo.

Iniciosde la banda
(1993)

El cantante, guitarrista ycompositor, Ed Roland, fundó la banda a mediados de los 1980 después deabandonar la Escuela de Música Berklee College of Music debido a faltade dinero. Antes de que apareciera Shine, Collective Soul ya teníahistoria, pero se circunscribía a Stockbridge, una localidad de Georgia de laque son originarios todos los miembros del grupo.

Ed Roland llevaba la música en lasangre, pero su familia, de estricto orden religioso, no veía en ello ningunaventaja. Su padre, sacerdote, pensaba que esas cosas del rock y el pop no erannada positivas para un niño que iba a cumplir los diez años. Era inevitableque, por la radio o la televisión, apareciera algún tema clásico de Elvis o de Jerry Lee Lewis, pero, en lo posible, ese tipo de sonidono visitaría la casa de los Roland. El disco que descubrió a Ed que quería sermúsico fue un recopilatorio con los grandes éxitos de Elton John. Desde que lo escuchó tuvo muy claro que, sitenía que irse de casa para cumplir su sueño, se marcharía. Y lo hizo. Se fue a Boston a estudiar en el BerkleeCollege of Music,probablemente el sitio más adecuado para afianzar sus sueños. Su decisión tuvodos consecuencias importantes: la primera fue que su familia rebajó sus estrictosniveles de control y permitió a su hermano Dean tener más acceso a la música;la segunda, que Ed ya no trabajaría nunca en otra cosa que no estuvierarelacionada con este mundo.

Cuando volvió a Stockbridge, elmayor de los hermanos Roland comenzó a trabajaren un pequeño estudio que, como mejor oferta para sus clientes, podíaproporcionar grabaciones en veinticuatro pistas. El estudio era propiedad delpadre de Will Turpin (bajo), unamigo al que ya había conocido en los tiempos en los que Ed y Dean cantaban en el coro de la iglesia de su religioso padre.Will, por su parte, tenía gran amistad con RossChildress (guitarra) desde que ambos coincidieran en los Boy Scouts,asociación en la que Shane tocaba junto a ellos en la banda de música. Desdemuy jóvenes todos se reunían en la casa de Will para escuchar aquellos discosque los hermanos Roland no podían disponer.

Los cinco tenían sus experienciasmusicales allá donde eran posibles. Ed fue el que más avanzó al pasarse muchasde horas trabajando en el "Reel toReel Studios", grabando maquetas para grupos y aprendiendo a manejartodos esos artefactos llenos de luces y botones que caracterizan cualquierestudio de grabación. Junto a sus amigos y compañeros, irían grabando suscomposiciones a lo largo de los días, "Aquellos demos formarían luegoHints, Allegations and Things Left Unsaid" comenta Ross. Se grabáron alo largo de cuatro años a partir de 1991. Esas canciones fueron el comienzo deCollective Soul. Ed, Shane y Ross, junto con otros amigos, trataron de ponerlasen directo, pero cuando las compañías iban dando sus negativas una tras otra,la cosa se desinfló y todo se acabó. Una de esas canciones era por ejemplo este"Breathe"(3:05) (2)

Todo fue algo transitorio; llegóel éxito de "Shine" y todo volvió a empezar de nuevo. A los gruposfamosos de Georgia, entre los que se encontraban R.E.M. y The Black Crowes, había que añadir, a partir de entonces,el nombre de este quinteto.

El saltoal éxito
(1993-1995)

Tras el éxito de “Shine” y verque la canción era una de las más solicitadas en la radio, Ed Roland(Voz/Guitarra Ritmica/Teclados) decide dejar a un lado la amarga experienciacon Marching Two-Step (nombre como se conocía a su primera banda), e invita asu hermano menor Dean (Guitarra Rítmica) , Shane Evans (Bateria), Will Turpin(Bajo) y Ross Childress (no se olvide de este nombre) en la primera guitarrapara que conformen primera alineación de una nueva banda: Collective Soul.
Según Ed en varias entrevistas, el nombre proviene de un pasaje del libro “TheFountainhead”, que va de un arquitecto individualista que arriesga todo solopor sobresalir sin pensar en las consecuencias. A pesar de que el libro es algooscuro, Ed toma la frase Collective Soul de una manera más amena y positiva.

"Shine" se convirtió enun éxito ineludible de MTV y de las radios durante 1994; la compañía AtlanticRecords se fijé en ellos y grabarón su primer album, Hints, Allegations, andThings Left Unsaid (1993), y que gracias a que vendiera másde un millón de copias. Con este álbum debut, se vieron sobre el escenario deWoodstock 1994. Después llegó un maratón de conciertos con Aerosmith, el reconocimiento de la crítica y un inesperadoéxito que se vio reflejado en las listas de éxitos de todo el mundo, gracias a"Shine" y "Breathe", principalmente; el disco tambiéncontenía canciones de gran nivel como "Love Lifted Me", "BurningBridges" o "Goodnight, Good Guy".

El titulo del álbudm proviene dela letra de una canción de Paul Simon titulada "YouCan Call Me Al" (1986).

Tras esa locura en la que sevieron envueltos, el grupo consiguió entrar en el estudio para grabar su nuevo disco, una impresionante colección decanciones apoyadas sobre el sonido de las guitarras. La banda consideró esesegundo trabajo como su álbum debut, para subrayar ese hecho lo titularonsencillamente Collective Soul (1995), y larecepción del disco fue tan positiva que estuvo 76 semanas en listas americanasy produjo éxitos como "Gel", "December" y "The World IKnow" (4:17) (3), este últimoconsiguió varios Nº1 en los charts. Con su nuevo disco en la calle, seembarcaron en una gira de ocho semanas como teloneros de Van Halen en EE.UU., siguieron por Europa. Comenzó lacarrera internacional del grupo. El disco permitía comprobar que lo ofrecido enel primer disco podía tener continuación. Buenas canciones, en la órbita delpop-rock americano, llenaban un álbum simpático en el que se apreciabapersonalidad y carisma. El disco fue grabado muy deprisa, con un enorme interéspor parte de la compañía y de la misma banda para que el álbum no dejara que seapagara la llama que se había encendido con "Shine". El álbumterminaría superando las tres millones de copias vendidas.

Tras veinte meses en carretera, el quinteto se moría por componer nuevas canciones y grabar demos sinfechas límite agobiándolos: "El estado de ánimo era perfecto", diceEddie (que con éste disco ha logrado salir de una larga crisis tanto personalcomo profesional), "Las canciones sonaban de maravilla así que seguimosgrabando y sin darnos cuenta ya teníamos veinte grabadas". Con otroimpulso creativo más (y la ayuda de The Memphis Horns) le dieron los toquesfinales al disco en los estudios "House of Blues" de Memphis.

Laconsolidación y la culminación de una etapa en Atlantic Records
(1997-2001)

Disciplined Breakdown, el tercer álbum de la banda, fue lanzadoen 1997;"PreciousDeclarations" (3:41) (4) y"Listen", fueron los singles elegidos, que se convertirían enverdaderos hits de la banda. Una más que digna continuación queconsolidaba lo ya ofrecido. Se mostró una clara maduración tanto de la bandacomo del sonido. Lo que sí consiguió Disciplined Breakdown fue marcardiferencias entre Collective Soul y otros grupos de su estilo. "Otrasbandas tienen 'el' sonido y todo lo que hacen suena así. Componen como pueden.Nosotros podemos hacer canciones de rock como podemos hacer baladas. Siempreque utilizamos un instrumento lo hacemos intentando que la canción suene comonosotros deseamos, sin restricción". Eso es precisamente lo que lleva a labanda a usar con frecuencia cosas tan pintorescas como elementos y formacionesde cuerda. "No creo", comenta Ross, "que eso sea tan distintivode nuestro estilo. Nosotros somos un grupo de guitarras y nos gusta,prioritariamente, el sonido de las guitarras. Ahora bien: si una canción nospide cuerdas, teclados u otra cosa... entonces lo grabamos".

Al año siguiente, en 1998,"She Said" se convierte en soundtrack de la película Scream 2, consiguiendo una significativa difusiónen las radios.

En 1999 lanzaron Dosage, y consiguen una muy buena aceptación; con éxitoscomo "Heavy", en el que le hacen honor al título de la canción yademás no pierden la melodía propia de la banda; melodía que se ve másreflejada en "Run"(4:35) (5), en la que emplean guirarras acústicas,como es constumbre en los discos de las banda, y unos acertados arreglos deguitarra eléctrica. El disco fue grabado en un plazo de seis meses, lo queconvierte a Dosage en la primera macroproducción de Collective Soul.

Sin tomarse un descanso, al añosiguiente editan Blender, considerado un "paso enfalso" por la critica más objetiva, este disco pierde muchas de lascaracterísticas que venía mostrando la banda, como los riffscaracterísticos de sus tres guitarras. El álbum tiende a un sonido máscomercial de las banda, aunque esto no se vio reflejado en la cantidad decopias vendidas. Cuenta con algunas destacadas interpretaciones como "WhyPt. 2" y "PerfectDay"(4:35) (6) (interpretada juntoa Elton John como invitado de lujo).

"Boast"(3:40) (7)

Con más de 8 millones de discos vendidos a lo largo de su carrera, CollectiveSoul decide cerrar una etapa, en el año 2001 editan el recopilatorio 7even Year Itch - Greatest Hits (1994-2001), que recoge lo principales éxitos como"Shine", "The World I Know", "Listen","Run", etc. Y cuenta con dos nuevas grabaciones "NextHomecoming" y "Energy"(3:40) (8), éstaúltima fue considerada por parte de la critica como "de perfectacomposición melódica", a pesar de esto no consiguió ningún tipo de éxitoal no tratarse de un single promocional. Además contiene "She Said",el soundtrack de la película Scream 2. Este fue su último lanzamientocon Atlantic Records, antes de firmar con una nuevadiscográfica.

Una nueva etapa
(2004-)

En el año 2004, tras cuatro añosde silencio editan Youth,el sexto disco de estudio de la banda, lanzado por El Music Group, sello discográfico fundado por la bandaese mismo año. Youth se trata de una colección de once temas que parecenvolver a ponerlos en esa senda de riffs pegadizos de guitarra rítmica y corosconstantes de Ed Roland, su líder y voz. El primer single, "Counting the Days"(3:40) (9) , así parece confirmarlo: un tema poderoso,"pegajoso" desde el primer instante gracias a un insistente fondo deguitarra y esos versos repetidos en eco tan característicos de la banda. Con"Better Now" y "How Do You Love?", intentan continuar con la misma línea, las de sus inicios pero sindejar de crecer como banda ni perder la sincronización casi perfecta quehay entre los músicos.

En mayo de 2005, lanzan un EP de 8 canciones, titulado Fromthe Ground Up,el cual cuenta con versiones acústicas de algunas de las canciones favoritas dela banda, y además incluye una canción nueva titulada "Youth".

Durante este período, elbaterista Shane Evans abandona Collective Soul. Es sustituidopor el baterista de estudio Ryan Hoyle, quien se encargó de tocar con la banda durantela gira. Más tarde, Hoyle sería incluido dentro de la formación oficial de labanda.

En el 2006, la banda realizó unaconvocatoria a toda sus fans para que hicieran parte de un concierto especialque la agrupación iba a realizar en la ciudad Atlanta. Para la mayoría de losasistentes, la sorpresa era que Collective Soul iba a tocar en compañía de “Atlanta YouthSymphony Orchestra” sus mayores éxitos. Fue asi que el CD/DVD “Home” fuesu primer trabajo en vivo. Para promocionarlo, el quinteto firmó un contratocon DirectTV para su transmisión. Muchos dirán que CS copió la idea deMetallica para este concierto. Lo que sí les puedo decir es que la banda yaestaba haciendo esto desde “The World I Know” en 1995.

El séptimo álbum de la banda, Afterwords, lanzado en agosto de 2007, fueco-producido por Anthony J. Resta (Duran Duran, Shawn Mullins, Satellite Party). Labanda hizo un trato con la compañía TargetCorporation,haciéndola la exclusiva distribuidora de las ventas físicas (CD) de Afterwords. Es álbum tambiénesta disponible en forma digital en iTunes. El primer sencillo fue "Hollywood",lanzado en mayo. Afterwords debutó en el número 25 en el "BillboardComprehensive Albums Chart" y en el número 5 en "iTunes digitalAlbums Chart".

“All That Know” (4:07) (10)

RADIO FUTURA (5.9) 29/11/11

2012-01-11T08:37:00.000-08:00

RADIO FUTURA

Radio Futura es un grupo musical de rock español de los años 80 y 90 del siglo XX. Nacido en 1979, tras un primer disco (MúsicaModerna, de 1980) de cierto alcance enmarcado de lleno en la llamada Movidamadrileña, y trasreestructurar su formación, inician una carrera de éxito con sucesivos discosdurante la década de los 80 (La ley del desierto, la ley delmar, De un país en llamas y La canción de Juan Perro). Si losdos primeros ahondan en diversas influencias presentes en la música europeacontemporánea, especialmente la anglosajona, progresivamente el grupo vainiciando una senda hacia las raíces y las estructuras musicales latinas queeclosiona en La canción de Juan Perro, disco fundacional de lo queposteriormente se dio en llamar rock latino. El inicio de los años noventa trae sus dosúltimos discos (Veneno en la piel y Tierra para bailar), hasta sudisolución en 1992.

Aunque la formación inicialincluía a Herminio Molero (compositor y sintetizadores) y JavierPérez Grueso (percusiónelectrónica, voz), pronto ambos abandonarían el grupo. Los componentes serían apartir de entonces los hermanos Santiago (voz, guitarra) y Luis (bajo) Auserón, junto a Enrique Sierra (guitarra solista). Carlos (Solrac)Velázquez, a la batería, sería posteriormente sustituido.

La influencia de Radio Futuracomo precursores del rock latino y, en general, como uno de los grupos derock más importantes de la historia de la música española, se ha dejado sentirdesde su disolución. Fue considerado el mejor grupo español dela década de los 80 por diversas emisoras de radio y revistas especializadas, ynombrado en 2004 "mejor grupo español de los últimos 25 años" por losoyentes de RadioNacional de España (Radio 3). En 2006, a través de una encuesta entre 156 músicos, la revista Rolling Stone incluye siete de sus canciones entre las 200mejores del pop-rock español, siendo el único grupo que llega a esa cifra.

Los tres integrantesfundamentales del grupo continuaron después de éste sus carreras en solitario.Santiago Auserón es conocido actualmente por el nombre artístico de Juan Perro. Los inicios (1979-1980)

Molero yla Orquesta Futurama

Herminio Molero, pintor, agitador cultural y pionero de la música con sintetizadores, decide en 1979 dedicarse plenamente a lacomposición musical. Con el objetivo de montar una especie de "orquestapop" y la referencia de Roxy Music, alquila un local a principios de año por el quevan pasando numerosas personas (no todos ellos músicos). A través del críticode arte Kiko Rivas contacta con el colectivo Corazones Automáticos que,influenciado por el anarquismo y el futurismo, firma artículos en revistas como DiscoExpress propugnando la ruptura del "provincianismo" y la aperturaa nuevas músicas que sentase las bases de lo que debería ser el inminente yfresco rock español.

Del colectivo formaban parteentre otros dos hermanos, Luis y SantiagoAuserón. Santiago acabade volver a España tras terminar sus estudios de Filosofía en París; Luistrabaja como delineante y topógrafo, a la vez que estudia Arquitectura. Los dostienen inquietudes artísticas: mientras Santiago se inclina más por la música,Luis la combina con la pintura. Ambos firman, con Corazones Automáticos,profundos artículos dedicados a Ultravox, ElvisCostello, Talking Heads... Los hermanos reciben una oferta de Molero, enprincipio para ser asesores y planificadores del grupo. Enrique Sierra por aquel entonces estabahaciendo la mili, y ya formaba parte de Kaka de Luxecuando es invitado por unos amigos a pasarse por el local de Herminio.

El resto de componentes de lo quese acabaría llamando Orquesta Futurama son María José Navarro y Montse Cuní (coros, posteriormente componentes de Las Chinas), JavierPérez Grueso (alias JavierFuria, voz y percusión electrónica), Manolo Campoamor (cantante,ex Kaka de Luxe), Alberto Iturrioz (guitarra), Francisco Pastor (ex-Fórmula V, guitarra) y el propio Molero. En total, un grupocon diez componentes, de efímera vida y que desaparecería ese mismo año singrabación alguna.

Primerospasos

De aquel experimento acabaríasurgiendo Radio Futura. El grupo toma su nombre de la simplificación del de unaemisora de radio libre italiana (Radio Ciudad Futura). El pintor y cantante Manuel Campoamor, miembro de Kaka de Luxe y Pegamoides, es quien bautiza al grupo.

A principios de verano aparece lanueva banda. En su primera formación ya están los hermanos Auserón, que seríanguitarra y voz (Santiago) y bajo (Luis, animado por el propio Santiago yEnrique, ya que no sabía tocar el instrumento). Enrique Sierra, guitarra solista, provenía del punk de Kaka deLuxe. Molero (componiendo y a los sintetizadores) y Pérez Grueso completan la formación. Carlos SolracVelázquez (ex-Nada) se incorporaría pronto a la batería.

La música de Molero consisteprincipalmente en una fusión entre música electrónica y música tradicionalespañola; EnriqueSierra y Pérez Gruesoaportan el punto punk y los hermanos Auserón el enfoque teórico y la estructuramusical. Entre todos buscan proporcionar al rock español un aire popular ycallejero, dando un nuevo enfoque a la música popular que se hacía en el país.

Tras meses de ensayos, el 12 deoctubre de 1979 ofrecen su primera actuación en directo, en el acto de clausurade un festival de cine de ciencia ficción (Hispacón) celebrado en el Ateneo de Madrid. La repercusión (teniendo en cuenta que Moleroera bastante conocido en el ambiente musical madrileño) es inmediata: sonpinchados en Radio 3 de la mano de Jesús Ordovás, telonean a Elvis Costello el 13 de noviembre en Badalona y realizan un parde conciertos en el teatro Alfil de Madrid. Son presentados por primera vez entelevisión en el programa dedicado al arte Imágenes de Paloma Chamorro, que emite su actuación en el último programa de1979. Chamorro sería posteriormente directora de La edad de oro, principal programa musical del país querecibiría en reiteradas ocasiones al grupo. Los contactos de Molero con elmundo de la producción acabarán dando su fruto: la cinta que Helenio Herrero(un amigo productor independiente) lleva a Hispavox acaba con la firma de su primer contrato discográfico.

1980: Músicamoderna

El primer LP del grupo es de 1980: Músicamoderna. Consta de diez temas, sietecompuestos por Molero, uno por Santiago Auserón, otro por Enrique Sierra y unaversión de un tema de T-Rex (Divina (Los bailesde Marte) 2:41(1), versión de Ballrooms of Mars cuya letra re-escribe Santiagopensando en Alaska, una de las divas de la Movida). Sin embargo, se decide quetodos los temas vayan firmados por todos los componentes del grupo.

El disco supone un estallido enlos medios y tiene un éxito inesperado fuera de los ambientes especializados.El primer single es Enamorado de la moda juvenil (con Ivonne en la cara B),[] compuestas ambas por Molero, y pronto alcanza el primer puesto de laslistas de ventas. A principios de verano Divina e Interferencias se lanzan comosegundo single (la segunda no estaba incluida en el disco).[

La estrategia de comercializacióndel disco, y en general del propio grupo por parte de Hispavox intentaconvertirlo en un grupo juvenil para fans. Hispavox es por aquel entonces laúnica compañía discográfica de gran tamaño que apuesta en su repertorio porincluir a grupos de la Nueva Ola, y busca obtener resultados económicosutilizando para ello métodos que incluyen desde la programación de innumerablesactos promocionales y giras agotadoras en las que también imponía el cartel,hasta directamente la censura o la manipulación del trabajo de los artistas. Sien un principio Radio Futura agradecía el fuerte apoyo económico recibido parala promoción del disco (que sin embargo resultó inapropiado, puesto que noobtuvo buenos resultados económicos) el comportamiento de la productora iríaproduciendo importantes rencillas con el grupo hasta provocar finalmente laruptura años después. De hecho esta estrategia, inédita entre grupos que por suestilo en principio estarían alejados de los circuitos mainstream, hizo incluso que el grupo fuese criticado con elargumento de ser un "montaje" de la industria musical, un"producto estandarizado y programado por la maquinaria discográfica".

Así, Hispavox incluye a RadioFutura en un combinado de artistas y grupos de carácter eminentemente comercialque giran durante el mes de mayo por plazas de toros de todo el país, enfestivales denominados genéricamente "Fans", en los incluso promuevenque se actúe en playback. Llega a editarse un disco homónimo, que sinpermiso del grupo incluye Enamorado.. y Divina junto a algunos deesos artistas (Leiff Garett, Pedro Marín, Chan y Chevy o Mabel, banda de Mike Tramp, que formaría posteriormente White Lion). Visitan programas de televisión como Aplauso, Fantástico o 300 Millones. Algunos de los componentes del grupo se muestrantambién muy contrarios a la producción del propio disco, que habría"deformado" las canciones para darle una pátina más comercial.

Sin embargo y por otro lado, el23 de junio de 1980, con motivo de las fiestas de San Isidro, 20.000 personas asisten en la PlazaMayor de Madrid alconcierto que supone la "puesta de largo" de la Movida madrileña. Enél Radio Futura encabeza el cartel en que figuran también Mario Tenia y los Solitarios y Los Secretos. Ese verano giran por todo el país, y el disco seedita internacionalmente en Europa e Hispanoamérica.

Música Moderna es un caso particular en la discografíade Radio Futura. Supone la eclosión del grupo y la apertura de la músicapopular española a algunas corrientes internacionales (influencias de The Clash, particularmente de su London Calling, T-Rex, Bowie o Talking Heads, adoptado como referencia ya por CorazonesAutomáticos) con poco recorrido hasta ese momento. Además, su éxito comercialfacilitaría el camino a otros grupos con esas inquietudes. Por otro lado, elhecho de ser una creación en su mayor parte de Molero y los disgustos con laproducción llevarían posteriormente a Radio Futura a renegar de ese disco,cuyas canciones nunca han vuelto a ser remezcladas ni incluidas enrecopilatorios controlados por la banda, pese a estar firmadas como autores portodos los componentes del grupo. Ni siquiera se han vuelto a tocar en directo,y el propio disco no aparece en discografías controladas por la banda (así, enla que ofrece la actual oficina de producción artística de Santiago.

Santiago Auserón: Aquello fue un producto tan manipulado desde el puntode vista de la producción y de la comercialización, que no nos reconocemos enél. Somos conscientes de que a gente que le gusta Radio Futura, aquello le hacegracia como objeto cultural histórico. A nosotros nos gusta también. Nosdivertíamos con esa actitud ambigua y semiperversa, diciendo: vamos a tocar enplan punki este pasodoble de Herminio Molero que era Enamoradode la moda juvenil (3:39)(2). Pero tanta ambigüedad era extrema: atrae mucho desde el punto de vistadel interés publicitario, pero compromete poco con un proceso de creacióndurable.

Luis Auserón: En aquella época éramos colaboradores: la línea la marcabaHerminio. Nosotros nos podemos sentir responsables a partir del single deLa estatua del jardín botánico

Entrevista en ElPaís de las Tentaciones,3/7/1998.

En todo caso, Enamorado de lamoda juvenil fue incluida por Rolling Stone en el puesto 63 de las 200mejores canciones del pop español.

Rupturadel quinteto

Durante esta primera época vansurgiendo las diferencias que, junto al enfrentamiento con Hispavox, llevaríana la reestructuración del grupo. El éxito les obliga a la profesionalización ya definir estilos y actitudes sobre las que divergen; Las diferencias llegan aun punto de no retorno: Pérez Grueso deja el grupo en diciembre. Más traumáticasería la salida de Molero en febrero de 1981, por su condición de alma-materde aquella primera encarnación del grupo: donde éste apostaba por un estilo alo Brian Eno, Kraftwerk o Jean Michel Jarre, buscando comercialidad en la línea experimentalque seguía desde hacía tiempo, Santiago, Luis y Enrique apuntan hacia laintegración del reggae (como en los Clash) o el refinamientomelódico de los Cure.

El quinteto pasa finalmente acuarteto, con la incorporación oficial de Carlos Velázquez, que aunque ya habíaparticipado durante la grabación del disco había sido vetado por la compañíapara aparecer en la foto de portada: no "daba la imagen". A pesar deque aún se mantendrían en Hispavox hasta 1984, el enfrentamiento ya eraabierto.

Cuarteto
Últimosaños con Hispavox: La estatua del jardín botánico

Es a partir de 1981 cuando se asienta la formación que con los añosdefiniría el estilo propio de Radio Futura: los hermanos Auserón y EnriqueSierra, junto a Solrac Velázquez, variarían el sonido inicial del grupo,alejándose del pop para abrazar el rock con influencias quese irán añadiendo, en esta primera época, desde el punk y posteriormente el funk. Usando lacombinación básica de voz, guitarra, bajo y batería, comienzan a componer yensayar nuevos temas. La presentación en sociedad de la nueva formación seproduciría en la sala Marquee de Madrid el 11 de marzo: en ella alternaríanalgunas de sus viejas canciones con temas nuevos. El abandono de su anteriorestilo los alejaba de lo que por entonces se conocía como Nueva Ola (porinfluencia de la New wave nacida en Inglaterra) y que acabaría decantándose enla Movida madrileña.

Radio Futura se ha desembarazado de su tradicional "caché" deexquisito amaneramiento para lanzarse a tumba abierta por la pendiente del"punk" más descarnado. Sonaron bien, quizá mejor que antes [...] Y,sin embargo, había un gusto amargo camuflado bajo aquella repentina explosiónde vitalidad y de violencia. Allí, rodeados por muchos de los protagonistas deaquel "estado de ánimo" generalizado que logró despertar a Madrid desu letargo, olía, con perdón, a muerto. La nueva ola madrileña se ha ido ya ose está yendo. Quedan, por supuesto, los grupos. Los mejores y Radio Futuraentre ellos.

Radio Futura: protohéroes, protomártires
Tomás Cuesta. ABC, 13/3/81.

En todo caso y con el telón defondo del enfrentamiento con Hispavox (llegaron a amenazarles con evitar quevolvieran a editar ningún disco), no se edita referencia alguna y el año sededica a ensayar y girar. Pasan por las salas "independientes" demoda (Rockola,La Barraca...), aunque en otras ocasiones siguen viéndoseobligados a actuar en playback junto a artistas con nada en común. Parafinales de año el grupo cuenta ya con varias maquetas que son radiadasfrecuentemente y tocadas por la banda en sus conciertos.

Con la llegada de 1982 seproduciría la edición del nuevo single La estatua del jardín botánico (5:27) (3), que lleva como cara B Rompeolas.El sencillo es producido por Jaime Stinus y supone el relanzamiento de Radio Futura, así como, según críticos como Juan Puchades, "el disco que mejor define el ocaso de laNueva Ola y el advenimiento de La Movida". El grupo abandona lossintetizadores de Herminio, buscando el sonido natural de los cada vez máshabituales directos. La estatua se convertiría pronto y de formaduradera en un himno de aquellos años (aún en 1988 Joaquín Sabina la citaba: Ya quisiera yo en vez de estereagge haber escrito [...] La estatua del jardín botánico). En 2006 fueelegida por la revista Rolling Stone en el puesto 21º de las 200 mejores canciones delpop-rock español.

La canción se me ocurrió mientras escuchaba Another Green World, de Brian Eno, y leía la Monadología, del filósofo alemán Leibniz. Ese librito tiene unas imágenes muy misteriosas que hablan de que dentrode cada estanque hay nuevos estanques y nuevos jardines, en el que siempreencontraremos nuevos peces y nuevas plantas. Esa imagen de mundos dentro demundos me impresionó mucho.

Santiago Auserón para Rolling Stone.

El vídeo músical del sencillo serealiza en Barcelona y el Ampurdán, de forma gratuita, por un colectivo de publicistas denominado RCR.

Por otro lado, Rompeolastendría un duradero recorrido como sintonía de uno de los programas musicalesmás representativos de la época, el Diario Pop de Radio 3 dirigido por Jesús Ordovás, otro de sus valedores entre la intelligentsiamusical del país.

1983 es un año de conciertos por toda España, en el que el grupo lleva una vidade carretera, lo que inspiraría algunos de sus próximos temas. Radio Futura vaadquiriendo un gran prestigio a nivel popular; manejan un repertorio que,aunque rechazado por Hispavox para su grabación durante tres años, ha sido escuchadopor la radio e intensamente rodado en directo. Estando por finalizar sucontrato, y tras una actuación especialmente multitudinaria en las fiestasde la Mercé de Barcelona,el grupo inicia contactos con una nueva discográfica, Ariola, con la que acabará llegando a un acuerdo tras la finalización delcontrato con Hispavox, lo que supondrá la "liberación" del grupo y laapertura de una nueva etapa creativa.

Todavía con Hispavox ya en 1983saldría un nuevo single, Dance usted, acompañado del instrumental TusPasos. En la cara A se aprecian las influencias funkys (traídas del Bowie de Let's Dance) quecontinuarían después en, por ejemplo, Escuela de calor.

1984: Laley del desierto, la ley del mar

En otoño de 1983 Radio Futurallega a un acuerdo con la casa discográfica Ariola para editar su segundo álbum, La ley del desierto, La ley del mar, grabado en los estudios Doublewtronics de Madridcon la dirección de Jesús Gómez entre diciembre de 1983 y enero de 1984, ymezclado del 1 al 10 de febrero entre Gómez y el grupo, lanzándose acontinuación. En realidad, dada la mala experiencia con Hispavox, Radio Futuraprefiere no firmar contrato alguno (éste se acaba firmando para el siguientedisco), y autoproduce el álbum ("pedimos estudio barato en que pudiéramosestar un montón de horas y aprender"). En opinión del grupo aquello acabólastrando el disco por su falta de experiencia y está en la raíz de la razónpor la que algunos temas de La ley... han sido regrabados en variasocasiones.

En todo caso el disco, cuyorepertorio ha sido rechazado por Hispavox pero ya es conocido por losseguidores de la banda, lo convierte en un rápido éxito de ventas.

Como su propio nombre indica, el LP está divido en dospartes. La primera parte, La ley del desierto, tiene un carácter máspunk y metálico, seco y duro; la segunda, La ley del mar, con sonidosmás acuosos, inicia la senda "latina" de Radio Futura.

De esa mezcla de referenciasmusicales nace el disco que supone la transición entre los primeros trabajosinfluenciados por la Nueva Ola (con The Stranglers o The Clash como referentes. NOTA: Tras conocerse en unaactuación en televisión, Santiago llegó a colaborar con uno de los grupos queinfluyeron en la primera etapa de RadioFutura, The Strangler) al incipiente rock latino; en ese paso la influencia de los Talking Heads sigue dejándosenotar, como ya lo había hecho en el previo Dance Usted. Todo ello con elcuidado en las letras propio de la banda.

En la primera parte, La leydel desierto, encontramos esas influencias primigenias, aún latentes: lapercusión metálica y electrónica de Tormenta de arena o los ecos glam de Hadaly, hasta dar con el primer atisbo de fusión africana con lapor otro lado muy funk Escuela de Calor(3:31) (4), quizá la canción más conocida de Radio Futura.

Con Escuela de calor quería meter el castellano en una rítmica afroamericana. En esa época tocábamos con pulsión casi punki, peroqueríamos que tuviese una subdivisión funk. Y entre el punk y el funk queríamosque el castellano se expresase con libertad.

Santiago Auserón en Rolling Stone.

El videoclip de Escuela de Calorsería realizado como parte de un proyecto del programa televisivo La edad de oro de Paloma Chamorro, que proporcionó los medios para que la propiabanda lo realizase.

En la segunda parte del discodestaca rotundamente Semilla negra,(4:16)(5) que se convierte en la primera piedra en el largo camino hacia ese primerrock latino del que la banda sería pionera, y que acabaría influyendoapreciablemente en la producción de pop-rock en castellano en los siguientesaños.

Curiosamente, la canción no estabapensada originalmente para el grupo: además de su trabajo con él, en ocasionesSantiago componía por encargo. Junto a Luis compuso Semilla negra para Miguel Bosé, que le pidió que realizara una canción "deestilo moderno". Una vez compuesta, grabada y entregada la maqueta del tema, Bosé lo descartó (en unaentrevista de radio en 1998, y sin desvelar el nombre del artista, el grupobromeaba sobre su supuesta incapacidad para cantarla, dada la voz casi"femenina" de Santiago). Además, Santiago confesó que le daba pena"soltarla", y la llevó al local de ensayo del grupo. El grupo,especialmente Solrac expresó sus dudas: no era el estilo de"estética dura" que estaban buscando, sonaba "un poco...hispanoamericana".

El caso es que fue la primera vez que se hablóde... En cuanto me decían que no a algo, sacaba mis armas de filosofía ytrataba de convencerles "mira, que yo creo que en el futuro el rocklatino, por lógica, tiene que acabar existiendo..."

Santiago Auserón
Entrevista en M-80 Radio, julio de 1998.

En cuanto a los sencillosextraídos, Escuela de calor se lanzaría junto a Historia de play-backcomo cara B. El single alcanzaría pronto el número 1 de ventas. De hechoposteriormente se editaría un maxi-single con cuatro temas: en la cara Alas dos versiones de Escuela de Calor incluidas en el disco (incluyendola instrumental), con Un africano por la Gran Vía y Dub en la B.Este último tema sólo sería editado en este maxi-single y en el formatocassette (junto con otro tema no incluido en el vinilo, Duda).

También aparecería como sencillo Semillanegra (con En Portugal como cara B). El tema sería remezclado enLondres junto con el guitarrista y compositor Raimundo Amador, que añadiría a los ritmos caribeños presentes enla versión original su toque flamenco, obteniendo cierta repercusión internacional. La producción correría acargo de Joe Dworniak y Duncan Bridgeman; la banda quedó tan satisfecha con la producción queconservaría a los productores para su siguiente trabajo; de hecho Dworniaksiguió colaborando con el grupo durante años, y en alguna ocasión ha sidodescrito por el grupo como un miembro más de Radio Futura.

En 2010 el periodista musical Jesús Ordovás, en su libro "Los discos esencialesdel pop español", eligió La ley del desierto / La ley del mar deentre los de Radio Futura.

El año termina como el anterior.La banda se encierra, en este caso en una casa en el municipio madrileño de El Escorial a maquetar su siguiente trabajo en pocas semanas;tras la larguísima preparación de La ley..., De un país en llamasnacerá de un proceso creativo mucho más rápido.

1985: Deun país en llamas

Como La ley del desierto, laley del mar había sido un álbum con nada menos que tres años depreparación, el grupo se planteaba ahora la realización de un disco con mayorrapidez; tras el encierro para realizar la maqueta del nuevo trabajo y ya en1985, viajan a Londres con ocho temas de los que se extraenseis. Allí se completa la grabación definitiva, con diez temas que, alcontrario que hasta el momento, nunca habían tocado todos juntos. Con la firmadefinitiva con Ariola y la producción de Dworniak y Bridgeman, que habíantrabajado con grupos de funk como I Level o Shake Shake, el grupo busca un sonido más barroco y elaborado ("los primerostrazos de una lírica hispana envuelta en sonido eléctricointernacional")., compensando de alguna manera el estilo un tanto naif de La ley.... El trabajo se graba y mezcla en The Music WorksStudios y Markus Studios entre febrero y marzo.

El resultado fue De un país en llamas, álbum que tiende al barroquismo por estar cargado de innovaciones tecnológicas(ecos, golpes metálicos, ruidos), por lo que en ocasiones la producción queda por encima del trabajo delgrupo. Aún así, su sonido contundente y oscuro y misteriosa atmósfera, y susletras crípticas, darán lugar a un puñado de temas que se encuentran entre losclásicos del grupo (El tonto Simón, No tocarte, Han caído los dos (4:10)(6)). De hecho, Santiago ha valoradoeste disco como uno de sus favoritos de esta primera parte de la trayectoriadel grupo:

De un país en llamas representa un momento más maduro de nuestro periodo dereflexión sobre el pop-rock europeo

En El País de las Tentaciones,3/7/1998.

En cuanto a influencias, en eltrabajo siguen apreciándose con claridad los aires anglosajones (Talking Heads,Bowie, John Cale), aunque temas como El tonto Simón o Elviento de África se van acercando a las raíces sureñas y latinas. Del álbumse extraen como sencillos: El tonto Simón (en dos versiones, una con Elviento de África como cara B y la otra con dos versiones de la propiacanción, retituladas "de tarde" y "de madrugada"), Laciudad interior / Un vaso de agua (al enemigo), No tocarte (con Laslíneas de la mano) y Han caído los dos / En alas de la mentira.Además se editó un maxi single (que no suele aparecer en las discografíasoficiales del grupo) "para uso profesional en discotecas" con cuatrotemas: No tocarte, La ciudad interior, En el chino y Las líneas de lamano.

Aunque el disco vuelve a ser unéxito de ventas, quizá la heterogeneidad con respecto al anterior trabajo y lospropios problemas del grupo influyen en que la gira de este año sea algo máscorta y menos multitudinaria que la anterior. En mayo cierran las fiestas deSan Isidro en Madrid (el disco se edita ese mismo mes); para entonces ya son,para la crítica, el grupo más notable del pop nacional.Curiosamente y de cara a dicho concierto se produce una pequeña polémica con laorganización: el Ayuntamientode Madrid lo presenta ensu información oficial sobre las fiestas como la "presentación" endirecto del nuevo álbum; la banda lo desmiente en una carta al diario El País:

Radio Futura [...] no desea hacer ningunapresentación pomposa del nuevo material, [...] reservándose para más adelantela realización de un planteamiento completo de sus nuevas canciones ante elpúblico madrileño, al que le une un particular nivel de entendimiento, y que elgrupo tiene especial interés en preservar de toda confusión. El grupo quiereevitar todo exceso de significación forzada en torno a su trabajo y lamenta queel estilo del boom,propio del espectáculo tradicional, tienda a generalizarse en torno al rock,que es un arte que debe quedar a ras de la calle.

Además, la grabación de De unpaís... traería también tensiones entre los componentes de la formación, loque redundaría en que el equipo de producción trabaje de un modo autónomo. Eldisco ha servido para reafirmarles ante el público pero también les plantea lanecesidad de profesionalizarse al máximo. Además de ello, las tensiones sobrela dirección artística que estaba tomando el grupo acaban concluyendo en elabandono del grupo del batería, Solrac.

Quinteto

Aunque inicia 1986 como un trío(Santiago, Luis, Enrique), Radio Futura tiene como objetivo encontar un nuevobatería que se complemente más con el bajo y un teclista para dar nuevastexturas a las canciones. Llega al grupo como baterista Carlos Torero, un todoterreno que a sus veintidós años había pertenecido ocolaborado con numerosos artistas y formaciones: Espasmódicos, Ana Curra, AcademiaParabüten, La Mode, Inkilinos del 5º, CiudadJardín, Mercedes Ferrer y La llave, Polanskiy el Ardor o Los Coyotes. Su pertenencia a esta última banda, otra de las pioneras del rocklatino, le había permitido familiarizarse con los estilos rumberos que elgrupo estaba a punto de convertir en propios. También se incorpora PedroNavarrete, un teclista de sólida formación clásica decidido a pasarse al rock.

1986 también trae los ensayos yla grabación de las nuevas maquetas para el próximo trabajo de la banda en lossótanos del edificio de RCA-Ariola de Madrid. A finales de año el grupo viaja a Nueva York para hacer lo opuesto a lo que hicieron enLondres: grabar un disco con la mínima tecnología posible y siempre con sonidosnaturales y clásicos. El proceso dura cinco semanas entre noviembre ydiciembre, y se realiza en los estudios Sigma Sound, en la calle 53. Contratana Daniel Ponce, percusionista cubano y, como sección de viento, a los TheUptown Horns Crispin Cioe, que ya habían trabajado por aquel entonces con gentecomo Tom Waits, Iggy Pop o James Brown.

1987: Lacanción de Juan Perro

La banda trae a España un trabajosólido y depurado: La canción de Juan Perro, que se publica en 1987. A principios de año se publica el single 37 grados (4:28)(7), que llega como adelanto.

Aunque se vendió bastante bien,el nuevo disco no acabó de convencer a la crítica. El álbum, consideradoactualmente como el mejor de Radio Futura, es recordado como el primer trabajode rock latino, que inició la senda por la que se han encaminado muchos de losgrupos españoles actuales, además del disco con el que el grupo se siente mássatisfecho.

La canción de Juan Perro comienza con un tema corto (de dosminutos y medio), con una música relativamente alegre, quizá con un estilosemejante al de los años veinte. Tras esta rápida introducción, nos tomamos undescanso con "El hombre de papel". Y, al acabar ésta, comienza sinprevio aviso y de repente la impresionante "A cara o cruz", nombradapor la prensa mejor canción de ese año: cinco minutos y medio de puro rock conciertos toques latinos. Al seguir escuchándolo, uno se toma otro descanso conla oscura "Lluvia del porvenir", pero a continuación viene una de lasgrandes de Radio Futura: "La negra flor", otros cinco minutos y mediode genialidad. Tras desvanecerse ésta entre instrumentos de viento comienza latrepidante "37 grados", una de las mejores canciones del rockespañol: frases apenas sin sentido encadenadas mágicamente con un ritmoincreíble. Entonces viene la belleza inmortal de "Annabel Lee", cuyaletra es una traducción del poema de Edgar Allan Poe a cargo de Santiago Auserón, y, tras ella,"Luna de Agosto", con referencias constantes al vino. El últimodescanso antes del gran final es "La mala hora", con la cual uno sehunde en la miseria antes de cantar al amanecer con los últimos cinco minutos ymedio de "El canto del gallo", otra de las más grandes del grupo.

De este álbum se extrajeron comosingles las canciones "En un baile de perros", "A cara ocruz", "Lluvia del porvenir", "La negra flor","37 Grados", "Annabel Lee", "La mala hora" y"El Canto del Gallo".

Es entonces, precisamente en elmejor momento del grupo, cuando las cosas se complican: Enrique Sierra enfermadel riñón y es ingresado en el hospital y el grupo se ve obligado a contratar aun nuevo guitarrista, Javier Monforte -previas suplencias temporales por partede Alex Sánchez, antiguo miembro de Lone Star, y Ricardo del Castillo, hermano de CarlosTorero-.

Sexteto

En 1988 Enrique Sierra quedó recuperado, pero el grupo decidió conservar a JavierMonforte como guitarrista, de modo que el grupo quedó constituido por seismiembros, y a mitad de temporada Carlos Torero es sustituido por Óscar Quesada.Radio Futura lleva queriendo desde 1981grabar en directo, pero la compañía les pide un nuevo disco de estudio. Enel peor momento del grupo, aparece en las tiendas un nuevo tema que les va arelanzar: "Paseo con la negra flor"(7:49) (8). Éste es un tema en clave de rap que se deriva de "LaNegra Flor" y que se plantea como un homenaje a la ciudad de Barcelona, en especial a la conocida Rambla. Durante la gira de 1988 se graban distintos conciertos para reunir elmaterial del próximo disco en directo, pero serían los dos últimos conciertosde la gira en el Arena de Valencia el 28 y el 29 de octubre los que al finalse editarían, como un disco doble con sólo once temas (una maniobra paraencarecer el producto, ya que cabían perfectamente en un solo disco). Con eltítulo de Escueladecalor, salió al mercado a principios de 1989. Se les acusó de retocar el disco demasiado en el estudio, con lo quetransmitían cierta frialdad que en realidad no transmitían en sus conciertos,aunque realmente se vendió muy bien.

De este álbum en directo sólo seaprovecharon para singles los temas "Escuela de calor" y "En elChino".

Últimos trabajos

En 1989 el grupo dio una serie degiras por toda España para celebrar su décimo aniversario. Enrique Sierravolvió a enfermar, y fue sustituido por Ollie Halsall (guitarrista de la«escuela de Canterbury», habitual en las grabaciones de gente como Kevin Ayers, y fallecido en 1992 por sobredosis de heroína en la calle de la Amargura de Madrid). Entrenoviembre y enero de 1990, el grupo vuelve al estudio para lagrabación de un nuevo álbum.

Este nuevo disco de estudio sellama Venenoen la Piel y es grabado por una nueva formación: Enrique de nuevo, Ollie Halsall,Antonio Moreno "El Tacita" -reputado músico en multitud deproducciones de 'nuevo flamenco'- en la batería, Santiago y Luis. Se trata del «álbum "acústico" de RadioFutura», en el que se propusieron grabar con un sonido limpio y claro o,como ellos mismos lo definieron, «para escuchar en un seiscientos».

En este álbum podemos encontrarel tema que le da título; "Si me dejas solo", con cierto aire country; "Al otro lado" y "Radar", las únicas canciones deldisco en las que sobresalen las guitarras eléctricas, y "Corazón detiza"(3:35) (9), lamás famosa junto con la que da título al álbum y que trata sobre un amorinfantil ambientado en un barrio pobre de Zaragoza, además de la versión instrumental del tema principal.

De Veneno en la piel sesacaron singles con las canciones "Veneno en la piel", "Condenadel amor", "Si me dejas solo", "Imagen pública","Radar", "El amigo desconocido", "Corazónde tiza" y un tema no incluido en el álbum con el título de"La ronda del colgado".

La gira promocional de este álbum-con la misma formación que graba el disco, exceptuando la sustitución deAntonio Moreno "El Tacita" por Antonio Vázquez- será la máselaborada, debido a que el grupo cuenta ya con muchos más medios, y el 30 deseptiembre de 1990 Radio Futura sube por última vez al escenario en Las Rozas,en Madrid. Fueron 439 conciertos en once años.

La banda, al estar sujeta acompromisos con la casa discográfica, debe permanecer unida, a pesar de lasintenciones de Santiago Auserón de colaborar con Kiko Veneno.

En 1992 se publica Tierrapara bailar, álbum enel que realizan nuevas versiones de temas antiguos, junto con un tema nuevo,"El puente azul", y una versión de un tema de Caetano Veloso, "Tierra".

Con este disco se pone fin alcontrato que Radio Futura tenía con Ariola y, por tanto, también es el fin dela propia banda. A finales de ese año se pone a la venta una caja con todos losálbumes del grupo en CD, junto con un disco extra titulado Rarezas, que contiene grabaciones de conciertos yde las primeras sesiones y algunos temas inéditos, como una estupenda versión “Sitting on the dockof the bay”(3:38)(10).

En 1998, seis años después de su disolución definitiva, se publicó un nuevotrabajo titulado Memoria del porvenir en el que se incluían versiones delos temas más clásicos de la banda. En 2003 salió a la venta, con el nombre de Caja de canciones, una caja conseis de los álbumes del grupo en edición mini-LP, con algunas modificaciones endos de los trabajos (en Escuela de calor se sustituyó "SemillaNegra" por "Annabel Lee">, y Tierra para Bailar sereestructuró, añadiendo las versiones de "Escuela de Calor" y"La estatua del jardín botánico" realizadas para Memoria delPorvenir, sustituyendo la versión de "Paseo con la negra flor"por la de ese mismo álbum y suprimiendo la remezcla de "Danceusted"), con un libreto con las letras de las canciones y los datos decada disco.

En 2004 fue editada una recopilación llamada Lo mejor de Radio Futura: Paisajeseléctricos (1982-1992) con dos discos de música y un DVD, con todos los videoclips y las actuaciones en TVE, además de la discografía oficial y el cómic que Max realizó para la canción "El canto del gallo". En ese mismo añoapareció el disco Arde la Calle. Un Tributo a Radio Futura, con veintetemas de la banda interpretados por artistas actuales.

No parece haber posibilidades deque el mítico grupo de los ochenta se vuelva a reunir, sin embargo en 2005 loshermanos Auserón se reúnen para editar un trabajo denominado "Las MalasLenguas", donde dan un toque latino y en castellano a temas del rock delos años 60 y 70.

A finales de 2008, el tema"Escuela de Calor" apareció en el video juego Guitar Hero World Tour

Fuente: wikipedia

BRYAN ADAMS (5.8) 22/11/11

2012-01-11T07:00:00.000-08:00

BRYANADAMS

Bryan Adams (n. Kingston, Ontario; 5 denoviembre de 1959) es un cantante canadiense. Entre sus estilos musicales figura el rock.

A los 10 años cuando su tio leregaló su primera guitarra y a partir de entonces empezó a mostrar interés porla música, algo que no aprobaba su padre que era diplomático de carrera. Alpoco tiempo, sus padres se divorciaron, por lo que el futuro cantante se fue avivir con su madre y su hermano a la ciudad de Vancouver.

Bryan Adams pasó parte de suinfancia y adolescencia en Portugal, habida cuenta de la profesión de su padre (Embajador). Vivió en Birre, cerca de Cascais, a unos 25 km de Lisboa, esto le llevó a aprender el idiomaportugués. A los quinceaños dejó la escuela y se unió a una banda como cantante haciendo giras por Canadá.

En 1979 Adams realizó su primer aporte musical y junto con Jim Vallance (al que había conocido un par de años antes, baterista del grupo Prism, y al cual seencontró por casualidad en una tienda de discos), realizaron un dueto, grabaronun demo y tras varios intentos fallidos en compañías discográficas, recibieronsu primera oferta de la compañía A&M y su primer álbum, Bryan Adams, bajoel sello discográfico A&M Records, se grabo en 1980 siendo producido por Jim Vallance y Bryan Adams, destacando el tema "Remember"(3:43)#01.

En el año 1981, bajo el sellodiscográfico A&M Records, edita su segundo álbum You Want It - You Got It. En este álbum colaboran en los teclados Tommy Mandel, en el bajo BrianStanley y en la batería Mickey Curry, y Bryan Adams toco la guitarra y elpiano. En este álbum destaca el tema como "Lonely Nights"(3:49)#02. que marcaría el estilo de algunas cancionesfuturas.

En el año 1983, Bryan contó con la integración del guitarrista Keith Scott y el bajista Dave Taylor, y grabó junto con ellos, el tercer álbum deestudio titulado CutsLike a Knife, bajo el sellodiscográfico A&M Records. Este fue su primer gran éxito, todo gracias acanciones como Cuts Like a Knife, "Straight From The Heart""(5:18)#03, "This Time" y The Best Was Yet To Come (canción escrita y dedicada a títulopóstumo a DorothyStratten, playmatecanadiense de la revista playboy que fue asesinada por su marido el 14 deagosto de 1980). Asimismo, Bryan ganó su primer Disco Platino. Este álbum fue producido por Bryan Adams y Bob Clearmountain.

El año 1984 sería culminante en la carrera de Bryan Adams, puesto que gracias allanzamiento de su álbum Reckless, obtuvo varios galardones y reconocimientos(ejemplo de ello, el recibimiento de los Premios Juno). Canciones como "Heaven"(4:06)#04, "Summerof '69", "Run To You", Somebody y el duetocon Tina Turner, "It's Only Love"(3:17)#05, son temas considerados clásicos del rock. El tema "KidsWanna Rock" es otro de los emblemas que el rockero canadiense alumbróen este álbum, no tan exitoso como los anteriores, pero con un contenido algofuerte, un ritmo bastante atrayente, con una sonoridad de guitarra eléctricarítmica muy potente, punteos muy profundos y sonoros, y este tema es uno de losque pertenece a los más rockeros que Bryan conserva en su extenso repertorio.Todas las canciones de este álbum son composiciones de Bryan Adams y JimVallance. Este álbum fue producido por Bryan Adams y Bob Clearmountain.

En el año 1987, viene el lanzamiento de su no tanexitoso (si lo comparamos con su anterior trabajo discográfico), Into The Fire, el quinto álbum de Bryan. Cancionescomo "HeatOf The Night" o este tema lleno de energía llamado "Hearts On Fire"(3:32)#06, que fueron elegidas como singles,tuvieron relativo éxito. Este álbum fue producido por Bryan Adams y BobClearmountain.

En el año 1988, en Werchter, Bélgica, Bryan realizó el que hasta ahora se considera suconcierto más prodigioso, se trata del Live! Live! Live!, al cual asistieron más de 50.000 personas. Eneste concierto, Bryan presenta un recordatorio de sus éxitos clásicos, sobretodo del "Cuts Like a Knife" y el "Reckless".Originalmente, se había dispuesto que el concierto seria transmitido por TV,pero tal fue el éxito alcanzado y la magnitud del evento y asistencia delpúblico, que se decidió grabarlo en su totalidad y sacarlo al mercado.

En el año 1990 participa en The Wall live (Berlin), uno de los mayores y más pagados conciertos-álbum de lahistoria, en el cual se subieron al escenario muchos artistas del mundo delrock acompañando al organizador, Roger Waters, ex-componente de la legendaria banda Pink Floyd. Además del mismo Bryan, también se contó con laparticipación de la legendaria banda Scorpions y Sinead O`Connor. Bryan interpretó: "Young Lust" y "Empty Spaces" (la primera, interpretada en solitario, yla segunda, dueto junto a Roger Waters). A finales de este año, Bryan participóen el Festival de Rock en Chile, celebrado en el Estadio Nacional de Santiago,junto a Eric Clapton y David Bowie.

En el año 1991 edita Waking Up The Neighbours, cuyos éxitos más notables son "Thought I'd Died And Gone To Heaven", , "Do I Have To Say The Words?", "There Will Never Be Another Tonight" y "All I Want Is You"o este:"Can't Stop This Thing We Started"(4:30)#07

Este álbum tuvo laparticulariedad de que fue íntegramente regrabado cuando Bryan Adams contactacon el productor Robert John "Mutt" Lange. El sonido de este álbum es muy similar a losálbum de Def Leppard, sobre todo del Hysteria y Adrenalize (editado casi en paralelo a WakingUp The Neighbours) quefueron producidos por Robert John "Mutt" Lange. Por este sonido similar, pero conservando supropio estilo (como por ejemplo en los riffs de las guitarras), recibo criticaspositivas y negativas, lo cual no impidió que el álbum tuviera gran éxito.

Dentro del album tambien se encontraba un tema que alcanzó un gran éxito porestar incluido en una de las películas del año "Robin Hood, príncipe de los ladrones"con Kevin Costner, Mary Elizabeth Mastrantonio y MorganFreeman, "(Everything I Do)I Do It For You" "(6:36)#08 . La canción fue un gran éxito convirtiéndose en unode los más vendidos mundialmente. Fue el primer lugar en 30 países, incluyendoel Reino Unido (durante dieciséis semanas) y los Estados Unidos durante siete semanas.

En el año 1993, edita el álbumrecopilatorio So Far So Good el cual contiene 13 de sus mejores canciones asícomo una nueva canción, "PleaseForgive Me". El perro que aparece en el video de "PleaseForgive Me" era del dueño del estudio de grabación que se encariñó conBryan Adams a quien seguía por todas partes. Al terminar de grabar este álbum,cuando Bryan pensaba en que portada tendría, se le ocurrió rotular el títulodel álbum en una de las llantas de su Land Rover y tomarle una foto, la cual se convirtió en laportada del álbum. Y es que el gran HOBBY de Bryam es la fotografía. Elculpable fue su padre (que era diplomático) le regalo una Instamatic de Kodakpara que hiciera fotos en sus viajes con apenas 8 años.

Bryan, ha publicado solamente 3libros, el último de ellos ha sido el “Fotografie Portafolio”, un libro de granéxito y repercusión lanzado al mercado bajo la ayuda y previo beneplácito de lafirma Calvin Klein.

Es un hobby que le cuesta dinerode su bolsillo, porque todos sus honorarios se destinan hacia fundaciones comolas del cáncer. La más reciente, Hear The World, dedicada a los sordos y para losque poco a poco pierden oído. El propio Bryan, por ejemplo, es una víctima,tras más de treinta años soportando decibelios hasta el paroxismo. A PlácidoDomingo le acaba de fotografiar por la causa, a la vez que a Amy Winehouse, RodSteward, Mick Jagger , Lindsay Loan, Annie Lenon y Josh Stone.

Ha recibido numerosos premiosinternacionales por sus fotografías y muy buenas criticas por su trabajo. Entre sus cámaras, una MamamiyaRZ Leica M6 y varias Rolleiflex

En el año 1994 formó con Sting y Rod Stewart un trío inolvidable para la canción "All For Love" "(4:44)#09 (la letra deesta canción fue escrita en una sola noche), B.S.O. de la película "Los Tres Mosqueteros":primero se contacto con Sting y posteriormente con Rod Stewart.

Ese mismo año participa del "PavarottiAnd Friends 2", un concierto que reúne a destacados artistas invitadosa cantar junto al famoso tenor Luciano Pavarotti (estos conciertos son grabados y editados comoálbum, por ejemplo, en el "Pavarotti And Friends 2", aparecen en la carátula Bryanjunto a Pavarotti). En este caso, Bryan interpretó "PleaseForgive Me", "'O sole mio", "All For Love" y "La Traviata:"Libiamo ne'lieti calici" (Brindisi)" junto a otrosartistas. Este se llevó a cabo con la Orchestra del Teatro Comunale di Bologna.

El año 1995 trajo una gran sorpresa para todos los que esperaban aires nuevos en eltrabajo de Bryan; la canción "Have YouEver Really Loved A Woman"4:54)#10, una versiónbalada-flamenco en la que se incluía la participación del guitarrista español Paco de Lucía, que colaboró a petición de Bryan Adams. Sucedióque cuando Bryan contactó con el manager de Paco de Lucia este le informó deque no esta disponible puesto que estaba de vacaciones fuera de España; a lospocos días Bryan se entera por suerte de que Paco de Lucia estaba casualmentede vacaciones en la misma isla donde él se encontraba grabando. La canciónformó parte de la banda sonora de la película "Don Juan De Marco".
Su melodía fue utilizada comocortina musical a lo largo de todo el largometraje y como canción en sí en tresocasiones, dos de ella interpretadas por otros cantantes y una más interpretadapor el mismo Adams. El tema cuenta con la presencia del reconocido guitarristaflamenco Paco de Lucía y se mantuvo en el número 1 de las listasnorteamericanas por 5 semanas. Además fue nominada al Oscar como Mejor BandaSonora por la película de la cual formó parte

En el año 1996 Bryan interviene en un nuevo dueto, estavez con BarbraStreisand, y da comoresultado "I Finally Found Someone". Ese mismo año edita el álbum 18 'Til I Die.Este noveno álbum de estudio es lanzado y canciones como "Let's Make A Night To Remember", "The Only Thing That Looks Good On Me Is You","18 'Til I Die", y "Star" (esta última forma parte de laB.S.O., de la película "Jack"), obtienen éxito masivo. El álbum esproducido por Bryan Adams y Robert John "Mutt" Lange. Bryan Adams edita la canción "HeyElvis" en homenaje a Elvis Presley. Esta canción forma parte del single "The Only Thing That Looks Good On Me Is You",de la edición japonesa del álbum "18 'Til I Die", y en versión unplugged en el single "Back To You"""(4:42)#11.(live)

En el año 1997 la cadena televisiva de MTV decide darle la oportunidad de que grabe supropio MTV Unplugged(álbum que para todo artista representa un reto, pues en él no sólo se grabanlas versiones famosas en guitarras acústicas y percusión sencilla, sino queademás, representa un legado de musicalidad, galardón, y respeto por tantosaños de trabajo). El álbum recopila un concierto sencillo de clásicos, comoefectivamente ya se había mencionado, y se presenta en el mercado con tresnuevas canciones, "Back To You", "A Little Love"y "When You Love Someone". Más tarde, seria lanzado tambiénpara DVD. De este álbum se editaron dos singles que fueron "Back ToYou" y "I'm Ready"los cuales contienen temas que no están incluidos en el álbum.

En el año 1998, Bryan Adams edita el álbum On ADay Like Today, delcual la canción más conocida y de más éxito fue "When You're Gone" cantada a dúo con laex-Spicegirl Melanie Chisholm (Melanie C). Originalmente la cantaría únicamente Bryan,pero en una reunión en la cual coincidieron ambos cantantes, Bryan le ofreció aMel C cantarla a duo, por lo que Mel C grabo su parte y se la envió a Bryan. Enuno de los dos singles que se editaron de "When You're Gone"podemos encontrar una version cantada únicamente por Bryan Adams. Los singlesque se editaron de esta álbum fueron "When You're Gone", On A DayLike Today, Inside Out y Cloud Number Nine. La version de los singles de "Cloud Number Nine" (4:12)#12 son diferentes a la del álbum, pues, estasversiones son nuevas mezclas realizadas por Chicane.

En el año 1999 edita un nuevo álbum recopilatorio denominado "The Best Of Me", el cual contiene temasclásicos de desde el álbum "Reckless", incluyendo el tema del mismo nombre delálbum y unos bonus track de un concierto que se llevó a cabo poresa época en Sudáfrica (pero estos bonus track solo se consiguen en la versióninternacional del álbum). La gira de este álbum coincidió con el abandono deDave Taylor y Tommy Mandel (erróneamente se pensó que la separación de estosmiembros se produjo durante la gira del álbum On A DayLike Today), por lo queen los conciertos se popularizó llamar a Bryan y a los dos miembros de su banda"3 Pieces Band" (se podría decir que es la primera vezque Bryan, Keith y Mickey, obtienen un nombre como banda y no sólo comosolista). Además, durante esta época (que abarcaría hasta el 2002), a BryanAdams se le vería no con la guitarra en sus manos (como era muy usual en él),sino que optaría por llevar al mando el bajo. También hay que decir que secambió radicalmente la puesta en escena de la banda: ahora vestirían de blancoinmaculado los tres, junto al color del instrumental (Ya en la actualidad, queBryan cuenta con la participación de dos nuevos miembros en la banda, de loscuales hablaremos ya más adelante, nos damos cuenta que el vestuario esdiferente: la mayoría de las veces, jean azul oscuro, y camiseta negra, y elinstrumental ya varía de color, obviamente manteniendo la estética con elvestuario).

En el año 2000 Chicane con al colaboración de Bryan Adams editan elsingle "Don't Give Up". Ese mismo año Bryan Adams lanza dosDVD que resumen la gira promocional del álbum "The Best Of Me": "Live At The Budokan" y "Live At Slane Castle" (la grabación de ambos DVD se llevóa cabo en el mismo año, el primero fue grabado en Japón, y el segundo en Irlanda).

En 2002, Bryan es contratado con su banda para hacer junto con el reconocidocompositor Hans Zimmer y otros músicos la banda sonora de unapelícula de Dreamworks que por aquel tiempo estaría por salir enestreno; se trata de Spirit: El corcel indomable. Se trata de una película de dibujos animados, la cual narra seriamente lahistoria de un corcel salvaje e indomable, cuya libertad es perturbada yprivada por el hombre. Es pues aquí, donde sale el tema "Here I Am"(el principal de la película). Así mismo Bryan compuso otras canciones (una deellas, interpretada junto a Sarah McLachlan, "Don't Let Go", logrando así unamplio recopilatorio también editado como álbum. Cabe destacar que este álbumes muy especial, en él encontramos una musicalidad tenaz, un contraste entrebalada, rock y una incorporación genial de Hans Zimmer con la orquestasinfónica e instrumentos pertenecientes a las antiguas culturas indígenasnorteamenricanos (esto último se detalla claramente, por ejemplo, en la canción"Brothers Under The Sun"). También en aquel mismo año, Bryangrabó la versión en francés del álbum (y cuya música, obviamente, corresponde ala version francesa de la película). Aquí, pues vemos otro álbum: "Spirit: El Corcel Indomable". En este año también seintegran dos nuevos miembros a la banda: el bajista Norm Fisher y el pianista Gary Briet.

A mediados del año 2004, editan el álbum Room Service,grabado durante una de sus giras en los backstages y habitaciones de hoteles, de ahí el título del disco. Aunque el álbum noobtuvo ventas masivas, Bryan argumentó que éste álbum expresa lo queverdaderamente es él, y lo que le gusta hacer, pues parte de las letras de lascanciones en su mayoría fueron hechas y corresponden a los casos personales dela vida de Bryan. En el single "Room Service" se incluyeron 02 temasacústicos (stripped) que son "Room Service" y "Open Road". Así mismo, editó dos singles adicionales "Open Road" y Flying.

El 2 de julio de 2005, Bryan y subanda son partícipes de uno de los conciertos internacionales más renombrados entodo el mundo, se trata del Live 8, destinado a la recaudación de fondospara combatir la pobreza, el cual se llevó cabo alrededor de todo el mundo. Elevento se presentó en un día soleado, en el Barrie Park Place en Ontario, Canadá, y se presentaron bandas como Motley Crüe, Simple Plan y Tragically Hip, entre otros muchos. Bryan presentó el siguiente repertorio: "BackTo You", "All For Love", "Open Road"y "ThisSide Of Paradise", conquistando así la admiración demuchos. También, el tercer DVD es grabado en este año, se trata del "Live In Lisbon", el cual es formidable, ya que ya no setrata de tres músicos como en los anteriores DVD's sino que ahora son cinco,además de mantener una calidad de imagen impresionante, muy buen sonido,escenario, repertorio, presentación y público.

En el mes de octubre del año 2005edita otro álbum (doble) recopilatorio, Anthology de grandeséxitos y algunas canciones inéditas o versiones en vivo. En la edición paraEstados Unidos, es reemplazada la voz de Mel C por la de Pamela Anderson.

En febrero del 2007 participa como artista invitado en el Festival Internacional de la Canción de Viña delMar, en Chile, uno de los eventos más importantes de este país.

El 28 de enero de 2008 comienza asonar en las radios de Europa y resto del mundo el nuevo single de Bryan Adams,"I Thought I'd Seen Everything" de su nuevo álbum "11" . El álbum se llama así por que esees el decimoprimero trabajo discográfico de Bryan Adams. El disco contiene 11canciones y es presentado en un tour acústico que duró solo 11 días en Europa(Portugal, España, Italia, Francia, Alemania, Holanda, Bélgica, Suiza, Austria,Inglaterra y Dinamarca), tour que abarcó todo el mes de Marzo. El 6 de abril de2008 inició el tour mundial con toda la banda, primero por America de Sur (Perú" donde recibio disco de oro por venta masivas en ese pais" Ecuador,Colombia, Paraguay, Uruguay y México) y posteriormente Europa y America delNorte. El lanzamiento oficial del álbum se realizó el 18 de marzo de 2008, através de PolydorRecords. En "11" aparece la canción, "FlowerGrown Wild" escrita para la cantante Amy Winehouse como consecuencia del abuso del alcohol y suadicción al crack en la que se está viendo inmersa. Cuando Amy escucho lacanción se impresionó por su fuerte letra y que alguien como Bryan sepreocupara de ella. Bryan ha comentado que para él Amy es como una hija y quecon esa canción quiere hacerla reflexionar sobre lo que le pasaría de seguirabusando del alcohol y las drogas.

El 11 de noviembre de 2008, salea la venta "11-Deluxe Edition" con contiene tres temasadicioales que son "The Way Of The World", "Saved","Miss America" y nuevas versiones de "She'sGot A Way" (una de ella mezclada por Chicane), adicionalmentede un DVD con los temas en vivo del nuevo álbum. Las canciones "The Way Of The World"y "Miss America" las podemos encontrar en el single "IThought I'd Seen Everything".

También en el año 2008, BryanAdams edita el DVD "Waking Up The World Tour - Canada 1992" enel cual se aprecia una de las más grandes giras realizados por Bryan Adams y subanda. Este DVD no se puede encontrar a la venta en el mercado, debido a que soloestá disponible para el club de fans.

En noviembre de 2009 muchosseguidores se sorprendieron de la salida de un tema nuevo de bryan adams quemuchos se impactaron al ver el intro de la película dos canguros muy madurosque protagonizan John Travolta y Robin Williams, en los creditos del comienzode la película suena You’ve been a friend to me lo que hace que por fin despeusde casi 2 años sin saber nada de el nos soprenden con este tema tan pegadizo yalegre y además he de recordar que si no me equivico también suena en lapelícula otra cancion de bryan que si no mal recuerdo era summer of the 69, sino es asi que alguien lo edite , pero si hay otra aparte del tema inedito yexclusivo para la película. El tema se puede encontrar en su banda sonora.

El 12 de febrero de 2010, Bryanjunto con Nelly Furtado interpretan la canción "Bang TheDrum" en la Ceremonia de Inauguración de los XXI Juegos Olimpicos de Vancouver 2010 en el Estadio BC Place en dicho lugar, en Canadá.

En marzo del 2011, Bryan anunciavía twitter que será padre junto a su actual pareja y asistente personal,Alicia Grimaldi. El nacimiento del bebé está previsto para el mes de mayo deeste mismo año.

Bryan es muy celoso con sus instrumentos,tiene un técnico especializado que cuida y mantiene decenas de guitarras, de suuso personal. Todos los instrumentos y accesorios, le son entregados de manosde presidentes o fabricantes de dichas empresas, sea o no patrocinado por estascasas.

Bryan Adams es aficionado delequipo de fútbol inglés ChelseaFootball Club a quien enel álbum 18 'Til I Die le dedica la canción "We're GonnaWin".

WHITESNAKE (5.7.) 15/11/11

2011-12-12T04:49:00.000-08:00

WHITESNAKE

Puedes oir el programa on-line o descargarlo pinchando en el siguiente enlace:
http://www.ivoox.com/player_ea_937549_1.html

Whitesnake es una banda británica de rock fundada en elaño 1978 por David Coverdale, después de su separaciónde la banda Deep Purple, de la cual formó partedurante el periodo 1973-1976. Durante sus primeros años, su música estabaesencialmente orientada hacia el hard rock, el blues y el soul, viendose el cambio algo drástico de su estilo musical durante losaños 80s orientado al mercado americano.

Un aspecto que ha caracterizado a la banda es la inconsistencia de susdistintas formaciones a lo largo de los años, involucrando a distintos músicosbritánicos o norteamericanos, con David Coverdale, fundador de la banda, comoúnico miembro permanente.

¿Quién esDavid Coverdale?

David Coverdale (22 de septiembre de 1951, en Saltburn-by-the-Sea, North Yorkshire, Reino Unido). Creció en una atmósfera familiardonde se escuchaba una variedad de bandas y de artistas locales. Susinfluencias musicales eran bandas de blues y soul, y cantantes como OtisRedding, Wilson Pickett y Joe Cocker. Comenzó tocando la guitarra pero decidióhacerse cantante y foguearse por los distintos bares locales.

Por esa época, David se ganaba lavida trabajando en boutiques, en donde vendía pantalones, antes de contestar aun anuncio anónimo en el que encubiertamente, se pedía vocalista para la banda Deep Purple, en reemplazo del ex-miembro Ian Gillan. Increíblemente, tomaron a este total desconocidopara ellos, que según se cuenta solo había enviado un demo, grabado en pésimascondiciones, pero de acuerdo con el tecladista John Lord, "habían cincosegundos, en los que su voz se elevaba y demostraba 'algo'" . Corría elaño 1973. En 1974, Deep Purple era una de las bandas más populares en América.Sin embargo, después de tres álbumes grabados (Burn,Stormbringer y ComeTaste The Band) y variosen vivo que no se declararon oficiales hasta mucho después, la banda sedisolvió por la difícil relación entre los músicos.

La historia de Whitesnake comenzóel día en el que Coverdale se largó de Deep Purple. Tras esa expulsión vagó porlos campos ingleses donde conoció a Micky Moody, un tipo con aspecto muyrústico (sombrero campero y su guitarra). Moody escribía por aquel entoncescanciones relacionadas con el folk britanico, pero Coverdale estaba convencidoque podía transformarlo en su nuevo Ritchie Blackmore particular. Sin dudarloambos se pusieron a grabar un par de discos que salieron bajo el nombre delpropio Coverdale, ya que a ninguno se le ocurrió otro nombre mejor para elgrupo. Durante 1976 y 1977 Coverdalepublicó dos discos en solitario: "DavidCoverdale... Whitesnake" y "Northwinds".De estos primeros álbums destacan canciones como “Lady” (3:47), “Peaceloving’ Man”(4:53) o “Only my soul” (4:37) todas con un tono bastante blusero y con “pizcas”de soul. David Coverdale además de un gran cantante ha destacado por sulabor de compositor. Tal es así que alguna de sus canciones fueron creadas paraterceros, como es el caso de Peace Lovin’ Man que fue escrista para Joe Cocker, y de algunas otras muyconocidas que ya veremos.

En febrero de 1978 David Coverdale forma la banda,con la ayuda del guitarrista Micky Moody, que había colaborado con Coverdale en sus dosdiscos solistas. El resto de la formación incluía al guitarrista Bernie Marsden, el bajista Neil Murray, el batería David Dowle y el teclista Brian Johnston (luego remplazadopor Pete Solley). En Abril de esemismo año, saldría su primer trabajo, el EP "Snakebite"con el nombre de David Coverdale´s Whitesnake.

El disco estaba realmentecompuesto por cuatro temas nuevos y otros cuatro rescatados de los dos discosanteriores en solitario de Coverdale. Sobresalen temas como “Come On” (3:34) y “Ain’t no love in the hear” (5:13)

Primera etapa (1978-1986)

El primer álbum propiamente dicho de Whitesnake, saldría en octubre de 1978, bajo el nombre de "Trouble".El teclista del disco era un ex-compañero de David Coverdale en años en DeepPurple, Jon Lord. Entre los temas del álbum, saldrían clásicoscomo “Take me with you”, “Trouble”,”Lie down” (con unsonido muy Rolling) y una excelente versión de “Day Tripper” (3:48) de TheBeatles.

Como anécdota curiosa decir que a finales de los 70s la prensa inglesa se mofabadel grupo de Coverdale llamándolo purplesnake. De ahí que en losconciertos de esa gira Micky Moody, Bernie Marsden y Neil Murray salieran alescenario con unas camisetas donde se podía leer: “No, yo no toqué en losjodidos Deep Purple”. Coverdale, Lord y Paice evidentemente no seatrevieron a tanto.

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Portada del album "Lovehunter"

Su mayor éxito llegaría con el álbum de 1979, "Lovehunter", que conteníatemas como “Walking In The Shadow Of The Blues”, “Medicine Man” yel que da nombre al disco “Lovehunter” (4:58). Es difícil escoger unasola canción de este álbum, pero aparte de las mencionadas anteriormente personalmenteme quedo con la que seria el primer secillo del álbum y que llego al número 55de las listas británicas y que es un clásico en todos sus conciertos: “Long way fromhome” (4:58)

La portada de Lovehunter, empleada en mucho del marketing deWhitesnake es obra del famoso ilustrador Chris Achilleos. (siiii, el mismo que elde Conan El Barbaro)

Aunque el álbum más memorable de esta época fue sin duda "Ready an' Willing"de 1980, en el que el batería David Dowle, ya no estaría presente; en sulugar entra otro ex-compañero de Coverdale en Deep Purple: Ian Paice. Con este disco llegaron a lo más alto de las listas, con temas como “Fool for yourloving” (4:17) y “Blindman”. "Fool for your loving" estaba en principio escritapara B.B. King, pero que Coverdale decidió finalmente quedarsela.

Con la gira de "Ready an' Willing", se atreverían a sacar undoble disco en directo, grabado en el Hammersmith de Londres en noviembre de 1978 y junio de 1980. “Livein Hammersmith”. Antes ya circulaban por ahí dos discos mas de directos deWhitesnake: “The Vintage Concert” (1979) “Live in the Heart of the city” (1980)

Portada de "Come an'Get it".
Hay que fijarse bien en la lengra
de la serpiente. ¿A que se parece?

En 1981 editan otro álbum: "Come an'Get It" muy al estilo del anterior, con cancionescomo “Don'tbreak my heart again” (4:01) “Come an'get it”. Como curiosidad, la portada del disco reflejaparte de la personalidad de Coverdale y explica su estilo erótico sobre los escenarios. Alejado de laimagen de tipo duro, como los de Iron Maiden, Judas Priest, etc…Coverdalesiempre ha tenido una forma de moverse en los directos en la que exaltaba lasexualidad. De hecho sus videos musicales son prueba de ello. Apareciendosiempre mujeres muy sensuales, entre ellas la que fue su segunda mujer.

Al año siguiente graban un álbum, que se editó finalmente a mediadosde 1982, "Saints& Sinners", con el que consiguieron uno de sus más grandeséxitos: “HereI go again” (5:09) el cual se convirtió en un clásico del grupo.

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La mujer de David Coverdale,
Twany Kitaen. ¿Merece la pena
o no ver los videos de whitesnake?

En este momento las diferencias entre los integrantes y una enfermedadde la hija de Coverdale provocan un impasse en la banda. Cuando regresanya no está más el guitarrista Bernie Marsden, que fue el primero en marcharse,seguido de Ian Paice y Neil Murray. En octubre de 1982 presentarían la nuevaformación: el guitarrista Mel Galley (ex Trapeze), el bajista Colin Hodgkinsony a la batería entraría el legendario Cozy Powell (ex-Jeff Beck, Rainbow, Black Sabbath y muchas más…).

Durante los últimos meses de 1982 y primeros de 1983 realizarían lagira del "Saints & Sinners".

A finales de 1983 y principios de 1984 grabarían "Slide it in" (que conteníatemas como “LoveAin't No Stranger” (4:19) y el mismísimo Slide it in).Antes de empezar la gira el guitarrista Micky Moody abandona también la banda ysería sustituido por John Sykes (ex-Thin Lizzy)

Llegada del éxito (segunda etapa) (1986-1990)

Durante la gira vuelve Neil Murray y con la formación renovada,Whitesnake se presenta en el primer Rock in Rio, el de 1985, con éxito. Parafinales de 1986, la banda estaba compuesta por John Sykes en la guitarra, Aynsley Dunbar en la batería y Neil Murrayen el bajo. Con el agregado de Don Airey en los teclados, grabarían "Whitesnake"(conocido en Europa como 1987),el álbum más conocido y vendido de su historia, editado obviamente ese año.

Whitesnake consigue el tan deseado megaestrellato en Estados Unidos, pero su estilo musicalvira unos grados en dirección del hard rock más comercial de la época, como el glam metal, y en la misma medida se aleja de sus raícesmás blueseras.

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...Y con esos pelos!!!

Los primeros sencillos sacados de ese disco serían la balada “Is This Love”(4:44),canción escrita para Tina Turner, y lareedición de la canción Here I Go Again, la cual se convierte enuno de los singles más exitosos de Whitesnake y todo un clásico del hard rock.

Para desazón de los fans y la prensa, Coverdale expulsò a suguitarrista estrella John Sykes (se especuló con que los motivos eran ladisputa del protagonismo escénico) e ingresan Adrian Vandenberg y Vivian Campbell (ex-Dio) en su reemplazo, Rudy Sarzo (ex-Quiet Riot)se hace cargo del bajo y Tommy Aldridge de la batería.

Etapa de Steve Vai como guitarrista

En 1989, Steve Vai (ex-Alcatrazz y David Lee Roth) reemplaza a Vivian Campbell y entra a formar parte delgrupo. Steve Vai ya era uno de los mejores guitarristas delmundo en aquella época, ya que acababa de sacar a la luz su Passion and Warfare, su discomás exitoso hasta la fecha. Se rumorea que se pagó más de 1 millon de dólarespor su fichaje.

Steve se encargó de grabar todas las guitarras de "Slip Of The Tongue" él solo, debido a que Adrian Vandenberg se lesionó relizando unosejercicios, provocándole estos una Tendinitis, más tarde, Adrian volveria para la gira del disco.

Coverdale vuelve a reeditar para ese disco otro de sus clásicos, estavez fue Fool For YourLoving, el cual también hizo cosechar un gran éxito al disco, aunque notanto como su anterior trabajo. Aunque también incluia canciones tan buenascomo “The deeperthe love” (4:23)

Entre los conciertos de la gira de Slip Of The Tongue seincluye uno de los festivales más famosos de la historia, el exitoso Monsters of Rock de 1990. Whitesnake ha sido cabeza decartel dos veces en uno de los festivales más grandes y con más prestigiomundial: el Monster of Rock de Inglaterra. Lo hizo en 1983 liderando a MeatLoaf, ZZ Top, Twisted Sister, DIO, Diamond Head y Tommy Vance, y en 1990liderando a Aerosmith, Poison, Quireboys y Thunder. En 1981 les tocó a ellosabrir los conciertos de AC/DC en ese mismo festival

Primera separación(1990-1994), regreso fallido (1994-1997), y segunda separación (1997-2003)

Al finalizar la gira en 1990, la banda prácticamente se desmembra. Afinales de 1993 Coverdale y el emblemático guitarrista de Led Zeppelin, Jimmy Page, editan un álbum llamado simplemente"Coverdale-Page", que rápidamente se transformó en superventas, peroque tuvo una fría recepción por parte de la prensa "nostálgica", queclamaba por una reunión de Led Zeppelin, que finalmente se concretaría al añosiguiente con la edición del disco "No Quarter" de Jimmy Page y Robert Plant.

Coverdale dandolo todo en el escenario.

Un álbum recopilatorio "Whitesnake's Greatest Hits" sepublicò en 1994; en él se encuentra una nueva versión de "Here I go again".La banda retomaría la actividad con Warren DeMartini (Ratt) y Adrian Vanderbergen guitarras, Rudy Sarzo en bajo, Paul Misckovick en teclado y Denny Carmassien batería.

En 1997, publicarían "RestlessHeart", que causó un impacto mínimo en comparación con lasexpectativas y ni siquiera fue editado en los Estados Unidos. Aunque conteníacanciones como “TooMany Tears” (5:47)

Posteriormente, se publicó un acústico titulado "StarkersIn Tokyo" interpretado por Coverdale y Adrian Vandenberg únicamente, que conteníatemas de toda la época de Whitesnake más “Soldier of Fortune” (4:04) de Deep Purple.

Coverdale decidió desarmar la banda y continuar su carrera comosolista. La "Farewell Tour" (gira de despedida) terminó en Argentina,en el estadio de Ferro Carril Oeste (12 de diciembre de 1997) de manera muyemotiva pero bajo una lluvia de críticas acerca del bajo rendimiento vocal delcantante.

En septiembre de 2000 salió un álbum solista de David Coverdaletitulado Into the Light, que tampoco obtuvo buenos comentarios.

Vuelta definitiva del grupo(tercera etapa) (2003-actualidad)

En 2003 Whitesnake se reagrupó para la gira de conmemoración de su 25aniversario. La banda sigue realizando giras, ha editado un DVD en vivo en 2005de la gira de 2004 y un par de recopilatorios en 2006.

Una de las formaciones más recientes con la que reactivaron al grupoconsistió de integrantes no británicos (a excepción de su líder): DavidCoverdale voz, Doug Aldrich (ex-BadMoon Rising y Dio) y Reb Beach (ex-Winger y Dokken) en guitarras, y los menos conocidos, el tecladista Timothy Drury, elbajista Uriah Duffy y el batería Chris Frazier.

En noviembre de 2006 salió disco "Live: In the Shadow ofthe Blues" con 4 temas inéditos: All I want is you, Dog, Ifyou want me y Ready to Rock. La promoción del disco se hahecho mediante conciertos acústicos en distintas ciudadeseuropeas.

En abril de 2008 Whitesnake lanzó su décimo álbum de estudio, titulado"Good to Be Bad", donde vuelve a sus raíces masblueseras con temas como A fool in love, Good to be bad y BestYears. A diferencia de los anteriores, cosechó buenas críticas y restablecióparcialmente el nombre de la banda en el rock internacional.

El 11 de agosto 2009 Whitesnake realizó un espectáculo en el Red Rocksen Morrison, Colorado, donde David Coverdale sufrió una lesiónvocal. Después de ver a un especialista, se anunció al día siguiente queCoverdale estaba sufriendo de graves edemas de las cuerdas vocales y una lesión en su pliegue vascular vocalizquierdo, de forma ocacional. Por dicha razón, la banda tuvo que retirarse delresto de la gira de Judas Priest.

A principios de febrero de 2010, David Coverdale dijo que su vozparece haberse recuperado totalmente de los traumas que lo dejaron de ladotanto a él y como su banda en la gira Priest. Comentó que ha estado grabando demos, con el objetivo de un álbum nuevo deWhitesnake, y su voz suena llena y fuerte en las cintas que ha registrado.

En junio de 2010, la banda comunicó que lanzará su propio vino, un Zinfandel 2008, descrito por David Coverdale como "lleno hasta el bordecon la esencia picante de Snakeyness sexy, resbaladizo... Lo recomiendo paracomplementar cualquier y todos los crecido vivacidad y bañera de hidromasajedivierten..." ^[^3]

El 18 de junio de 2010, se separaron el bajista Uriah Duffy y elbatería Chris Frazier. El reemplazo de Frazier es el ex baterista de Billy Idol, Brian Tichy. El 20 de agosto 2010 Whitesnake anunció que su nuevo bajista esMichael Devin.

El 13 de septiembre de 2010, el tecladista Timothy Drury salió delgrupo para seguir una carrera en solitario.

Para marzo de 2011 la banda lanzó un nuevo álbum después de 2 años,cuya producción presenta influencias que nos marcaron en 1987. El nombre delnuevo disco es "Forevermore". Con la finalidad de promocionarlo,programaron una gira de conciertos durante todo el año con fechas anunciadas ensu página web oficial. Consta de seis presentaciones en el Reino Unido y otrasmás en el resto del continente europeo.

"Forevermore" fue publicado en una edición especial llamada'Snakepack' a través de la revista Classic Rock y se puso a la venta el 25 demarzo, tres semanas antes que su lanzamiento comercial.

Un sencillo digital de la canción Love Will Set You Free fuelanzado, junto con su vídeo musical el 21 de febrero de 2011.

El 20 de marzo de 2011 Whitesnake incorporó a Brian Ruedy como sunuevo tecladista para su Forevermore World Tour 2011

El 25 de marzo, la página Amazon.co.uk, indicó que los pre-pedidos de clientes del nuevo álbum del gruposuperaron en mucho los de la nueva producción de Britney Spears, "Femme Fatale" por un lejano 35%, lo que indica que la agrupación continúateniendo alguna vigencia importante entre los consumidores británicos.

Whitesnake participó como una de las atracciones principales en elfestival annual de Rocklahoma en Pryor, Oklahoma, en el fin de semana del Memorial Day en mayo de 2011.

Actualmente la banda se encuentra en planes de realizar la gira EpitaphWolrd Tour, en conjunto con Judas Priest. Hasta el momento se hanconfirmado todas las fechas en Latinoamérica y parte del recorrido deltour de Judas Priest en Europa.

JIMMY CLIFF (5.6.) 08/11/11

2011-11-10T04:55:00.000-08:00

Pincha aqui para oirlo on-line o descargarlo:
http://www.ivoox.com/player_ea_937518_1.html

Jimmy Cliff, cantante de ska y reggae, músico y acto.Es el único músico vivo en la actualidad con la Orden de Mérito , el más alto honor quepuede ser otorgado por el gobierno jamaicano por sus logros en las artes y lasciencias. CoolRunnings . Conocido por elgran público por canciones como "Sitting in Limbo", "You Can GetIt If You Really Want ", y " Many Rivers to Cross "de la banda sonorade The Harder They Come , que ayudó apopularizar el reggae en todo el mundo, y por sus versiones de Cat Stevens " Wild World "y Johnny Nash`s "I Can See Clearly Now” de la película Elegidos para el triunfoheHarder They Come . Fuera delmundo del reggae, es también conocido por su aparición en el cine en The Harder They Come ..Jimmy Cliff fue uno de los cinco artistas incluido en el Rock and Roll Hall of Fame en 2010.

Su verdadero nombre es James Chambers, nacio en Jamaica, en St. Catherine el 1 de abril de 1948, y es como decimos uno de los pilares de la música de ese pais. Tiene el honor de ser el introductor del "ska" en USA a principios de los sesenta, y de haber sido "padrino" de Bob Marley tras su ida a Gran Bretañaa a mediados de la década, siendo uno de los primeros introductores del reggae en el continente europeo. Ha flirteado con diversos estilos musicales, siendo probablemente uno de los artistas más versionados de la historia.

Educado por su padre en medio rural, abandona el colegio a los 13 años dedicandose a aprender clasicos del rock'n'roll de Fats Domino, Little Richard, Bobby Day o Dee Clark. Podemos decir que su carrera debuta cuando toma un autobus que lo traslada a la capital Kingston en 1961. Una vez ahi, bajo la tutela de Count Boysie graba un single de ska "Daisy Got Me Crazy" y "I'm Sorry" para la Sound System de Sir Cavalier.

Esemismo año graba una serie de temas con Leslie Kong, vendedor de helados quedecide crear la discografica Beverley's, junto a otros musicos jamaicanos. Deese trabajo obtiene su primer gran éxito local "Hurricane Hattie"(2:42) (01) se convirtió en un todo un éxito, mientras queél apenas tenia 14 años de edad. Fue producido por Kong, con quien Cliff permanecióhasta la muerte de éste tras un ataque al corazón en 1971. Más tarde, otros éxitos locales de Clifféxitos como "Kingof Kings"(3:27) (02), "Dearest Beverley", "MissJamaica" y "Pride and Passion"le sirvieron en 1964 para ser elegido uno de losrepresentantes de Jamaica en la Feria Mundial, firmar con Island Records y se trasladarse al ReinoUnido. Island Records inicialmente (y sin mucho éxito) intentó vender a Cliff al público rock, pero su carrera nodespegó hasta finales de la década de los 60. Su álbum debut a nivel internacional fue Hard Road To Travel, (Enero 1968) que recibióexcelentes críticas e incluía "Waterfall"(compuesto por Nirvana 's AlexSpyropoulos y Patrick Campbell-Lyons), que seconvirtió en un éxito en Brasil y ganó el Festival Internacional de la Canción.

En 1969 publica su segundo álbum quese tituló en un principio Jimmy Cliff, y posteriormente rebautizado como Wonderful Word,Beautiful People; incluia temas como "WonderfulWorld, Beautiful People" y el tema que lo haría famoso en todo el mundo “Many Rivers to cross"(3:00) (03). Tema del que se hanhecho multitud de versiones, por citar alguna de las mas conocidas: PercySledge, 1969, Harry Nilsson, 1974, en un álbum titulado Pusy Cats yproducido por el mismísimo Jhon Lennon, The Animals,1977,JoeCocker, 1982, UB40,1983,Elvis Costello, 1988, Zucchero, 1991,Bruce Springsteen, 1993, la tocó en 23 ocasionesdurante la gira Human Touch Tour, Cher, 1993, U2,1997, LennyKravitz, 2002, The Black Crowes, 2005, AnnieLennox, 2008, Emeline Michel, en el concierto de Esperanza paraHaiti, 2010, y Sharleen Spiteri (Texas), 2010

Otro single de este álbum que triunfó en todo el mundo, sobre todo en USA,fue ”Vietnam", Bob Dylan consideró "Vietnam" como la mejorcanción protesta que había escuchado nunca.

Además, durante este período, Cliff publicó una versión de Cat Stevens "Wild World"(04) comosingle, pero no fue incluido en su álbum “Wonderful World, Beautiful People”.

En 1970 publica Goodbye Yesterday y en Septiembre de 1971 Another Cycle,albunes que no tuvieron el éxito esperado, pero sirvieron para consolidar lacarrera de Cliff.

Y asi llegamos a The Harder TheyCome1972, y a su aportación más relevante al mundo del cine ysobretodo a la expansión de la música reggae por todo el mundo. Cliff encarnó aIvanhoe "Iván" Martín en la película The HarderThey Come , dirigida por Perry Henzel . La películacuenta la historia de Ivanhoe Martin, un hombre joven sin fondos. Al llegar a Kingston, trata de triunfaren el negocio de la música, pero sin éxito. Con el tiempo, su vida se convierte en unavida de dominada por el crimen y la desesperación. La banda sonora de la película fue un gran éxito que sevendió bien en todo el mundo, llevando el reggae a un público internacional porprimera vez. Sigue siendo la películamás significativa que ha salido de Jamaica desde la independencia. La película hizo su debut en el Londres 's Notting Hill Gaumont cine el 1 de septiembre de 1972. Dentro de la banda sonora de lapelícula estaba este tema homónimo “The Harder They Come” (3:43) (05)

Después de una serie de álbumes, Unlimited (August1973) StrugglingMan (June 1974) House of Exile (December 1974) Brave Warrior (1975) Follow My Mind(November 1976) (Nota: Amediados de 1976, reclutó al guitarrista Joe Higgs, que estaba en los Wailers conMarley, para que dirigiera a sus músicos y como principal arr eglador de lascanciones), In Concert: The Best of Jimmy Cliff (1976) Give Thank (1978) I Am The Living(July 1980) Givethe People What They Want (September 1981, Special (July 1982), del quevamos a destacar el tema con el mismo nombre “Special” (3:50) (06)

Cliff se tomó un descanso y viajó a África , y posteriormente se convierte en el Islam. Muy pronto volvió a la música y estuvo de gira porvarios años antes de grabar con Kool & the Gang el álbum The Power and the Glory(1983), y su famosa canción “Reggae Nihgt”(5:23) (07).

Durante el 1981 en la gira de The Rivers, de Bruce Springsteen y la E StreetBand el “jefe” añadió al repertorio una canción de Cliff poco conocida"Trapped" de su directo, que alcanzó gran protagonismo cuando fueincluida posteriormente en el álbum benéfico del año 1985 We are the world.

El siguiente album, CliffHanger (1985) ganó un Premio Grammy por "Mejor Álbum de Reggae',y fue su último éxito importante en los EE.UU. hasta 1993. Dentro de ese álbum seencontraban canciones como “Brown Eyes”(3:42)ocktail(08)

También en 1985 Cliff contribuyo a la composición de la canción " Sun City ", una canción de protesta , escrita y compuesta por Steven Van Zandt y grabada por los artistas unidos contra elApartheid para expresar la oposición a la de Sudáfrica la política de apartheid. En 1986 colaboró con los Rolling Stones,haciendo coros para su álbum Dirty Work. En 1988, su canción "Shelter of Your Love" fuepresentado en la exitosa película Cocktail .

Tras varios discos mas Club Paradise (1986) y Hanging Fire (March 1988), publica en octubre del 1989 Images dela que destacamos la canción “Everliving Love” (3:35)

En 1991 apareció en el segundo Rock in Rio Festival en el Estádio do Maracanã , en Rio de Janeiro , Brasil. Continuó vendiendo bien en Jamaica y, en menor medida, el Reino Unido,volviendo a la corriente principal del pop , tanto en los EE.UU. como en otros lugares ( # 1 en Francia ) con unaversión de Johnny Nash’s "I can see clearly now”(Puedo ver claramente ahora) (3:17) (10) incluida en la pelicula Cool Runnings (Elegidos para lagloria) de 1993, que contaba una historia real sobre la participación delequipo jamaicano de bogsley en los juegos de invierno. Lion King

En 1995 lanzó el sencillo "Hakuna Matata "(11), una colaboración con Lebo M , una canción de la banda sonora de la película El Rey León, En el 98, tras dos albunes mas, lanzó el disco Higher and Higher(May 1998), en el que venia incluido el éxito “Soar Like an Eagle”

En 2002 Cliff lanzó el álbum Fantastic PlasticPeople en Europa. Este álbum contó con colaboraciones con Joe Strummer , Annie Lennox y Sting , así como nuevas canciones que se recuerdamucho de accesos originales de Cliff. En 2004 lanzaMagic Night, un álbum en el que cambia de estilo, modificado las canciones,dejando caer el reggae tradicional a favor de una electrónica de sonido. También actuó en laceremonia de clausura de los Juegos de la Commonwealth 2002 . En 2003 su canción "You Can Get It want”(Siusted realmente desea) se incluyó en la banda sonora de la película "Cuando menos te lo esperas".

Cliff también versiono un tema de Solomon Linda 's llamado, "Mbube", que hasido re-grabada por The Tokens como The Lion sleeps tonights (13)

ALGUNAS CURIOSIDADES:

El nombre de Cliff(Acantilado) proviene deun corsario galés, Henry Morgan , al que escribió en su canción "Oh,Jamaica."
Cliff estuvo en la ceremonia deinauguración en el Cricket 's la Copa del Mundo .

Su canción "Many Rivers to Cross" hace referencia a los blancos acantilados de Dover, Inglaterra.

Cliff fue también un miembro fundador del Independent Music Awards "grupo para apoyar a los artistas independientes. Más recientemente, Cliff apareció en la escena internacional de jazz en el Festival de Glastonbury en 2008 y otravez en Glastonbury en 2011.

^{[ 13 ]} Además deproporcionar la música de The Harder They Come, Cliff también tuvo el papelprotagonista en la película interpretando al cantante de reggae Ivanhoe"Iván" Martin.

Cliff también apareció como el músicojamaicano y revolucionario, Ernesto Reed, en el 1986 la comedia Club Paradise , co-protagonizada por Robin Williams y Peter O'Toole , y ha contribuido varias canciones para la banda sonora, incluyendo "Weckend seven's day" que cantó con Elvis Costello .

tMarkedfor Death ^{[ 15 ]} También apareció en Señalado por la muerte en 1990, bajo la dirección de "John Crow" y
aportando temas a la banda sonora de la pelicula.

"The Harder They Come"
KeithRichards de losRolling Stonesgrabaron "The Harder They Come", como un "cara B" de su single con "Run,Rudolph, Run", escrita por ChuckBerry , en 1978. También ha habido versiones de Joe Jackson , Rancid , WillieNelson , JoeStrummer , Cher , y la brasileña banda Titás , que lo versionó en un album acústico con laparticipación de Cliff.

"Many Rivers toCross"
La canción"Many Rivers to Cross" fue versionada en 1974 por Martha Reeves,en 1982 por Joe Cocker en su disco , Sheffield Steel con el Compass Point All Stars . Esta canción fuegrabada por The Animals en 1982 su álbum de la reunión Arca , y por Arthur Lee en 1981. "Many Rivers to Cross", también fueversionada en 1974 por Harry Nilsson , en su álbum Pussy Cats , el cual fue producido por John Lennon . También fue versionada con éxito por losbritánicos del reggae UB40 , obteniendo un Top 20 en la lista de singles del Reino Unido en 1983. AnnieLennox cantó"Many Rivers to Cross" en un especial benefico de AmericanIdol 's llamado IdolGives Back en2008. La actuación se vendió en iTunes , y la recaudación se destinará a obras beneficas.isonerin Disguise En 2008 LennyKravitz también realizó una version en Clear Channel's.

"Vietnam"
New Order versionó "Vietnam" en el 2003 en el recopilatorio War Child .

Paul Simon también hizo un "cover" de "Vietnam" durante suextensa gira 2011..

"Trapped"
A partir de 1981, Bruce Springsteen interpretó"atrapados" en concierto, y una interpretación suya apareció en elálbum benefico de 1985 We are the world .

"Reggae Night"

La Toya Jackson co-escribió y versionó "Noches deReggae," y consiguió la nominación a un premio Grammy.

LEÑO (5.5) 25/10/11

2011-11-10T02:12:00.000-08:00

Puedes oir on-line o descargar el programa en el siguiente enlace:
http://www.ivoox.com/player_ea_936943_1.html

Leño fue un grupo musical de rock urbano madrileño. Fue creado en 1978 por Rosendo Mercado, Ramiro Penas y Chiqui Mariscal, quemediada la grabación del primer disco marchó siendo sustituido por Tony Urbano, y se disolvió en octubre de 1983.

El líder de Extremoduro dejo esta frase relacionadacon Leño:
"El rock español consta de dospartes: antes y después de Rosendo" (Robe Iniesta)

El nacimiento de Leño se remonta,probablemente, al 31 de diciembre de 1977, tras una discusión de los componentes de la primera formación del grupo Ñu antes de comenzar un concierto. Dice la leyenda que uno de los componentesde Ñu , RosendoMercado, pronunció laspalabras: "Chico, hasta aquí hemos llegado...". La relación deamor-odio entre Rosendo y José Carlos Molina, el Molina, queda patente hasta enel origen del nombre del nuevo grupo formado por Rosendo "las cancionesque haces son un leño, tío" decía José Carlos de las composiciones deRosendo para Ñu

Aunque José Carlos cuenta otraversión "Bueno, Leño lo formé yo, y el nombre me lo inventé yo. Y esque cada vez que hacía una canción heavy, como la introducción de "Este Madrid",que es mía, Rosendo decía "¡vaya leño de canción que has hecho!". Empezaron bromeando y al finaldecidieron llamarse Leño, no quería Rosendo perder la "ñ" porningún lado.

Solo unos días después se creóplenamente el grupo. Con un viejo amigo del grupo Fresa (anterior nombre deÑu), ChiquiMariscal, y el ex-bateríade Coz (grupo del que después saldría otro grupo de los ochenta llamado BarónRojo) debutan en la salaAlcalá Palace el 12 de febrero como teloneros de Asfalto, con cuatro temas propios.

En mayo se publicó el sencillo"Este Madrid"(5:50)/"Aprendiendo a escuchar", hoy un disco de coleccionista. parael recopilatorio Rock del Manzanares. ¡¡Viva el rollo!!Volumen 2, donde estaban Cucharada, Asfalto o Unión Pacific. Rosendo: “Era 1978 y a mi mujer la habían ingresado porque estaba apunto de dar a luz. Fue terminar de grabar Este Madrid y marcharme corriendo alhospital, que era el de la Cruz Roja de Reina Victoria. Llegué allí y memandaron a casa, porque por aquella época eso de que el padre esperara en elhospital no se llevaba. Me fui andando de Reina Victoria a mi casa, enCarabanchel, un largo trecho, e iba pensando: ‘Dios mío, un hijo; joder queresponsabilidad’. Cuando me levanté por la mañana, llamé al hospital y ya habíanacido” (Rosendo Mercado, cuyo único hijo, Rodrigo, de 31 años, interpreta, enclave reggae, precisamente Este Madrid, en Bajo la corteza)".

Casi un año y decenas deconciertos después, exactamente en marzode 1979, en setenta horas se graba y mezcla el primer disco de Leño, con elmismo nombre que el grupo. “Leño”

La portada de "Leño"muestra el adiós de Chiqui Mariscal, el primer bajista. Con el tiempo Chiquivolvió a integrarse en Ñu , grupo en el que había estado, con Rosendo, antes de que ambos formaranLeño

No os engañe esa portada tan cutrey mala, estamos ante la obra maestra de Leño. Un disco con un sonido muyparecido al de Black Sabbath y Deep Purple. No hay quien pare, solo tienecanciones buenas, ninguna mala, te tocan desde un tema clásico hasta uno heavy,pasando por una nana. La guitarra suena en su mejor momento, ni siquiera ensolitario la tocó tan bien, riffs alucinantes y perfectos acompañamientos.

Para sustituir a Chiqui Mariscalentró en el grupo (y ya se quedará hasta el fin) Tony Urbano, gran amigo deRamiro (ambos provenientes de Coz). Tony grabará en el disco el último tema, elhimno al LSD "El tren" (4:26), compuesto y no grabado, por Rosendo y JoséCarlos Molina en los tiempos de Ñu (como curiosidad, esta canción la grabó Ñu varios años después, con otro nombre y mucha gente pensó que estabanversionando a Leño, cuando en realidad la canción era de ambos).

Tony Urbano “Grabamos nuestro primer disco, Leño (1979), en lashoras de estudio que dejaba libres Julio Iglesias. Él no se podía enterar.Entrábamos a hurtadillas por la noche. Era el estudio Kirios. Aunque sóloutilizaba una sala del estudio, Julio Iglesias alquilaba las cuatro, para quenadie le molestara”

En este disco aparece una cancióncuriosa “La Nana” (7:58). Cancion instrumental y que, como su nombre indica es una nana, que siiii. Con un ambiente derock progresivo, con los melotrones, mientras Chiqui canta ese"na na na nana na na", no tiene más letra que eso. Totalmente dulce y conmovedor. PeroRosendo también quiere tocar la guitarra, así que mete una acústica querápidamente cambia por una eléctrica, haciendo partes instrumentales muybuenas, y riffs inolvidables.

Era el final de una década y elprincipio de otra esperanzadora, con conciertos en cada ciudad y la radiosonando en español. Como declaró Rosendo, "Estábamossiempre juntos porque era la época de los festivales y en cualquier punto de España nos encontrábamos Coz, Ñu o Leño de Madrid, Bloque de Santander, Smash o Storm de Sevilla... Había algo por loque estar ahí y pelear juntos. Estábamos abriendo hueco. Eran conciertos decuatro, seis, ocho o hasta catorce grupos, era una locura. Los equipos eranhorribles y además no los sabíamos manejar. Bloque tenían la mejor producción yequipo, también Asfalto, quizá porque fueron los que empezaron antes eiban invirtiendo. Con Ñu nunca toqué con monitores, se tocaba con los amplis deescenario. El batería se dejaba los muñones dando hostias y los demás apretábamoscon los Marshall a todo volumen...".

En el siguiente año llegó la movidamadrileña y las casas dediscos comenzaron a aumentar sus ventas. Muchos aún recuerdan como un mal sueñola aparición de Leño, los "auténticos auténticos" haciendo play-back en "Aplauso", un programa musical de la televisión española dela época. Aunque otros recuerdan otra versión de los hechos: "Eso delplay-back me recuerda cuando, en la prehistoria, Leño la armó cuando exigió (ylo consiguió) tocar en directo en el programa Aplauso" (Raimundo Amador).

En julio de 1980 se grabó "MásMadera", con teclados de Teddy Bautista y un sonido casi pop. Según Rosendo: "Más Madera suena muy mal. Se hizo muy deprisa, pordebajo de las cien horas de trabajo: un trío que entra en un estudio y meteelementos que no había tenido antes, con lo cual no hubo tiempo de asimilarlo.Pero nos apetecía hacerlo porque era bueno para nuestra historia"

"... eres nuevo, no sabes nada, estás en unestudio de grabación y no eres consciente de muchas cosas ... cuando acabé miparte necesitaba salir de allí porque me quemé. Dejamos a Rosendo sólo y él noscrítico tanto a Tony como a mí, pero le dije que era peor que hubiera estadoallí porque habría odiado ese disco toda mi vida. Teddy hizo lo que le salía delos cojones con el disco. También hizo unas cosas curiositas pero no consiguióhacerlo sonar ... eran canciones sencillas que se pueden tocar con una guitarraacústica, tenían bonitas letras y mucho sentimiento. Rosendo escribía ya conuna sensibilidad absoluta". (Ramiro Penas).

Quizás la canción que mejor refleje este cambio sea “La noche de que tehable” 3:00

Para resarcirse usaron los conciertos…

Los conciertos y las actuacionesen directo, sin teclados ni arreglos, sólo tres músicos y miles de personasescuchando y sintiendo cada canción, dieron lo mejor de Leño en aquélla época.De esta forma, en 1981 se grabó "En directo". (producido por Teddy Bautista para ladiscográfica Chapa/Zafiro) El disco se registró en las noches del 25, 26 y 27de marzo en el barrio de Tetuán (Madrid), cerca de su local de ensayo de lacalle Tablada, en la sala Carolina, Bravo Murillo. Como novedad, se introdujoun saxofón (Manolo Morales), coros (una casi desconocida Luz Casal en ellos) y cuatro canciones creadas expresamentepara el evento. A pesar del sonido y que solo contuviera cuatro cancionesinéditas, este disco fue el más vendido de la carrera de Leño…y una de lasrazones fue la canción “Maneras de vivir” (4:58)

En los años 81 y 82 la bandacontinuó desmarcándose de etiquetas como "heavy", "rock duro". Dejaban claro en sus entrevistas que ellosescuchaban a The Clash, a Joe Jackson, a Specials... Como declaró el propio Rosendo "Era algo absolutamentepremeditado. No queríamos quedarnos en las tachas ... Lo mismo ocurría connuestra imagen, utilizó la ropa que visto normalmente. Veía a alguna gente ypensaba: pero cómo sales a un escenario con una ropa que te tienes que quitarluego porque no va contigo...".
En mayo de 1982 se inició la "aventuralondinense". Leño grabó su tercer disco, "Corre, corre", que incluia temas como "Que tira la toalla!!" (4:11), en Londres bajo la producción de Carlos Narea. Sin embargo, cuando se presentó estedisco a los críticos de la revista inglesa "Kerrang", especializadaen rock duro, el resultado fue pésimo. Según algunos eraimposible juzgar a Leño sin entender, más allá de la diferencia de idioma,sobre qué están hablando. Según Rosendo: " En "Corre, Corre" hay muy buenas canciones. Erantemas más claros, con estribillos que enganchan. Ya no había teclados y lasguitarras sonaban serias... ". Los singles fueron radiados ycomenzaron a tener una resonancia más allá de los estrechos círculos del rockde la época.

El disco sonó mucho en la radio, con canciones como "Sorprendente" (4:05), y hasta en la televisión. El mítico programa "Musical Express" de Àngel Casas realizó una grabación en directo. Leño fuetambién el primer grupo que apareció en el programa de televisión "Tocata", cuando el grupo ya estaba cerca desu disolución.

Encontrar razones para ladisolución del grupo es a la vez complicado y sencillo. Algunas de las declaracionesde los componentes del grupo aclaran el tema: "Dentro de dos años estoestará muerto, no vamos a conseguir nada, solo quemar una historia que espreciosa. Estaba consiguiendo lo que toda mi vida había soñado y me daba cuentade que ya no era lo que me había planteado … arrastrábamos a mucha gente … erauna responsabilidad que no quería asumir. Fue un cúmulo de historias, aparte depeloteras personales..." (Rosendo). "Hubo muchos motivos.Entre ellos, el faltarnos al respeto aunque fuera una sola vez. No huboproblemas de comunicación porque hablamos hasta el final pero, por otra parte,¿qué íbamos a contar a esas alturas? ...se había acabado la esencia del grupo,sentíamos que nos estábamos aburguesando en cierto modo... Ya no teníamos nadaque contar, fuimos un grupo contestatario en la transición política-culturaldel país... Creo que dejamos a Leño donde lo teníamos que dejar"(Ramiro Penas).

El final lo marcó la gira,organizada por Miguel Ríos, "El rock de una noche deverano", que en treinta y cuatro noches del verano del 1983, dejó en oídos y almas las últimas notas y letras de la banda. Miguel Ríosestaba en su apogeo (con discos como "Rock&Ríos" y "El Rockde una noche de verano") y aquélla, según algunos, pudo ser la gira másmultitudinaria y espectacular de artistas españoles de la época.

Leño optó por disolverse en lomás álgido de su carrera, en octubre del 1983, por considerar sus miembros que habían llegado "a un callejón sinsalida a nivel creativo". En su edición del 11 de octubre el diario ABC publico: "El grupo de rock con máscarisma que haya salido nunca de los barrios madrileños se disuelvedefinitivamente. La muerte de la banda, que se había insinuado ya en los últimosmeses, llega en un momento en el que Leño funcionaba como una máquina perfecta".

Esa decisión originó la creaciónde una leyenda. Parece evidente que si Rosendo, líder natural de grupo, hubiese dado el visto bueno a las propuestas dereunión -algunas de gran impacto económico-, las dudas hubieran manchado laimagen de Leño. Tras su disolución, Leño se convierte un grupo de culto paramuchos, sus discos se reeditan, aparecen continuos rumores de reunión, y hastala fecha sus canciones son pedidas por el público en los conciertos de Rosendo.

En 2000 el premio al mejor autor de rock, otorgado por la SGAE (Sociedad General de Autores y Editores), se lo llevó "La fina" (4:52),canción que se encuentra en el último disco de Leño; el premio lo recogieronTony y Ramiro, en nombre del grupo.

En 2010 se graba el disco tributoa Leño “Bajo la Corteza” con AntonioVega, Miguel Ríos, Luz Casal, Pereza, La Shica, Extremoduro, Barricada, La Vozde los Nadie, Mojinos Escozios, Dwomo, Porretas, M-Clan, Javier Ruibal, Boikot,Raúl Rodríguez, Mägo de Oz, La Leñera, El Bardo, Garaje Jack, Más Madera, SalidaNula, Edith Salazar y Maneras de Vivir hacen su interpretación de losprincipales temas del grupo madrileño.